NAVIO NEGREIRO CASTRO ALVES

Transcrição

1 UFGD 2016 série de análises literárias NAVIO NEGREIRO CASTRO ALVES Prof. Renato Tertuliano

2 SOBRE A 3ª GERAÇÃO A terceira geração do Romantismo brasileiro desenvolveu-se, mais ou menos, durante os anos 1870, quando Castro Alves publicou suas Espumas Flutuantes, e 1881, com o anúncio de O Mulato, de Aluízio Azevedo. Foi denominada Condoreira, por apresentar como sìmbolo, em seus textos, o Condor, ave que normalmente tem vis o ampla sobre as coisas; Hugoana, por ter sido influenciada pelo poeta francês Victor Hugo; e, ainda, Pré-Realista, por anunciar, em obras de seus anos finais, caracterìsticas do Realismo. Desenvolveu-se, principalmente, com o comprometimento social, com a luta a favor dos escravos e com a influíncia de um sentimento de liberdade e, por isso, sua produá o liter ria passou a ser conhecida como social.

3 SOBRE O AUTOR Poeta de destaque dessa fase, Castro Alves, baiano nascido em 1847, concretizou-se, em seus pouco mais de vinte anos de vida, como antiescravista e republicano e por isso ficou conhecido como Poeta dos Escravos. Em suas obras, encontra-se um forte apelo persuasivo em que o objetivo era transmitir facilmente sua mensagem ao público menos letrado e se fazer entender por todos, além de buscar suavizar a mancha da escravidão que assombrava o paìs naquele momento. De acordo com Massaud Moisés, as obras do poeta podem ser divididas em dois momentos bem definidos graças às diferenças entre os temas por ele abordados. Assim, a primeira fase, desenrolada mais ou menos entre 1863 e 1869, [...] É marcada pela poesia abolicionista, social, e a segunda, pelo lirismo amoroso. (1984: 226)

4 SOBRE O AUTOR A poesia lírica e, portanto, sua segunda fase, É marcada pela obra Espumas Flutuantes, publicada em 1870, única em vida. Nela, diferentemente dos poetas da primeira e da segunda gerações, Castro Alves rompe com a impossibilidade do amor, trata da mulher de forma SOBRE O AUTOR mais carnal e também se utiliza do erotismo e da sensualidade. Neste momento, abusa da linguagem simples e coloquial para descrever cenas amorosas e paixões concretizadas. Já a primeira fase do autor É engajada e solidária, escrita nos moldes de Victor Hugo, e trata, grosso modo, da opressão do povo brasileiro, da luta contra a escravidão e da busca por uma identidade nacional. Dela, fazem parte poemas publicados postumamente no ano de 1898, em suas Obras Completas.

5 SOBRE A OBRA O poema Navio Negreiro foi escrito por Castro Alves em 1868 e é um de seus mais notáveis escritos. Ao longo de seus seis cantos, o poeta narra a trajetória marítima de um navio que transporta escravos e apresenta a brutalidade com que esses são tratados e privados de seus direitos e principalmente de sua liberdade, questão tão fortemente tratada pelos românticos brasileiros que buscavam desvencilhar-se de Portugal e ganhar autonomia também nas letras. Dessa forma, é importante ressaltar que cada canto do poema apresenta uma estrutura diferente, comprovando que, ao contrário dos árcades que usavam sonetos com versos decassílabos e seguiam a tradição da poesia épica, os escritores do Romantismo buscavam, ainda, liberdade formal em suas produções.

6 SOBRE A OBRA O autor ficou conhecido por seu estilo exclamativo, hiperbólico e dramático que dava a impressão de que suas obras eram feitas para serem declamadas e não lidas individualmente. Sua intenção era mostrar à sociedade o desejo de liberdade almejado por ele e seus contemporâneos.

7 O uso abundante de figuras de linguagem, além de proporcionar visões que determinam variadas interpretações dos leitores, também traz sonoridade ao texto. Stamos em pleno mar... Dois infinitos Ali se estreitam num abraço insano, Azuis, dourados, plácidos, sublimes... Qual dos dois é o céu? Qual o oceano? [...] Stamos em pleno mar... Abrindo as velas Ao quente arfar das vibrações marinhas, Veleiro brigue corre à flor dos mares, Como roçam na vaga as andorinhas... (ALVES, 1983: 91) Nesta terceira e quarta estrofes do primeiro momento, já se podem identificar a aférese e a anáfora, presentes no começo das quatro primeiras estrofes, e a sinestesia, identificada ao longo de todo poema. A aférese È definida como a supressão que ocorre de fonemas ou letras no início de uma palavra ( Stamos = Estamos).

8 A anáfora, por sua vez, caracteriza-se pela repetição de uma mesma palavra ou uma mesma expressão no início de versos ( Stamos em pleno mar...). Nesse caso, as duas figuras tem por objetivo dar sonoridade e ritmo ao texto, já que ele foi escrito para ser declamado, além de, no caso da primeira, ser utilizada para garantir os versos decassílabos das estrofes e, a segunda, para representar o barulho que a brisa e as ondas têm em alto mar. Por sinestesia entende-se a relação que se estabelece entre dois ou mais planos sensoriais. Em Navio Negreiro, o uso da sinestesia é constante. Nas estrofes acima, tem-se a relação entre a audição, por meio do som do vento e das andorinhas voando, o tato, por meio das quentes vibrações marinhas e a visão, por meio da cor (azuis, dourados).

9 No primeiro canto de Navio Negreiro: uma tragédia no mar o eulírico evoca a natureza por meio da imagem de prazer montada a partir da comparação entre mar e céu. Stamos em pleno mar... Do firmamento Os astros saltam como espumas de ouro... O mar em troca acende as ardentias, - constelações do líquido tesouro... (ALVES, 1983: 91) As quatro primeiras estrofes apresentam um diálogo entre o mar e o céu o que revela uma perfeita harmonia natural. Sabe-se que a natureza assumiu diversos significados ao longo do movimento romântico. No geral, ela se apresenta como idealizada e dinâmica. Muitas vezes e, principalmente na primeira geração romântica, a natureza aparece como afirmação nacional.

10 A confusão dos elementos ( Dois infinitos /Ali se estreitam num abraço insano ), o mar e o céu, faz--se por um traço comum ( num abraço insano ) que recupera o adjectivo doudo do primeiro verso e parece abarcar tanto características físicas ( azuis, dourados ) perceptíveis ao olhar como psicológicas ( plácidos, sublimes ) para enfim se tornar numa unidade: Qual dos dous é o céu? qual o oceano? ). O sujeito poético concentra a atenção do leitor no barco nomeando-o e aludindo a alguns dos seus elementos, construindo, por isso, um campo semântico: abrindo as velas, vibrações marinhas, veleiro brigue. Por uma comparação entre o veleiro e as andorinhas continua a estabelecer-se uma relação muito forte entre o mar e o céu, comungando os dois do mesmo movimento. As questões retóricas são retomadas na quinta estrofe desta secção: para as dúvidas apresentadas aceita-se que não haja resposta ( Quem sabe o rumo se é tão grande o espaço? ) e o espaço marítimo toma a forma de um deserto ( neste saara ) atravessado metaforicamente pelas ondas ( os corceis o pó levantam ) que não deixam traço.

11 Homens do mar! ó rudes marinheiros, Tostados pelo sol dos quatro mundos! Crianças que a procela acalentara No berço destes pélagos profundos! Esperai! esperai! deixai que eu beba Esta selvagem, livre poesia Orquestra é o mar, que ruge pela proa, E o vento, que nas cordas assobia Por que foges assim, barco ligeiro? Por que foges do pávido poeta? Oh! quem me dera acompanhar-te a esteira Que semelha no mar doudo cometa! Albatroz! Albatroz! águia do oceano, Tu que dormes das nuvens entre as gazas, Sacode as penas, Leviathan do espaço, Albatroz! Albatroz! dá-me estas asas. Estrofes finais da parte I

12 Na segunda parte, igualmente descritiva, o sujeito poético vai concentrar-se nos marinheiros. Estes trocaram o lar em terra por um novo lar no mar porque o ritmo deste é poesia ( Ama a cadência do verso / Que lhe ensina o velho mar! ) e merece ser cantado ( Cantai! ). Embora seja espaço de perigo, o sujeito poético incita-os a não terem medo da morte ( que a morte é divina! ) enquanto o barco desliza e se afasta num movimento de saudade ( Resvala o brigue à bolina / Como golfinho veloz. / [...] Saudosa bandeira acena / As vagas que deixa após. ). O sujeito poético passa ao elogio dos marinheiros de diferentes nacionalidades que se lançam aos desafios das viagens marítimas por outras terras. A cada nacionalidade ele associa um referente diferente: ao Espanhol, as cantilenas / Requebradas de langor ; ao Italiano, a cultura lírica clássica ( Relembra os versos de Tasso ) ou o mito de Romeu e Julieta ( Canta Veneza dormente/ - Terra de amor e traição ); ao Inglês, o espaço insular e o conquistador Nelson; ao Grego, a cultura clássica através da figura de Ulisses e do poeta Homero ( Do mar que Ulisses cortou, [...] Vão cantando em noite clara / Versos que Homero gemeu... ). Os únicos marinheiros que não têm qualquer referente são os Franceses, aludindo-se de forma generalizada a um passado glorioso ( Canta os louros do passado / E os loureiros do porvir! ). Termina a última estrofe desta parte com três versos que englobam todos esses marinheiros ( Nautas de todas as plagas ) num conjunto que aprecia a viagem e que sabe achar nela uma certa melodia celeste ( Vós sabeis achar nas vagas / As melodias do céu!... )

13 A terceira secção, a mais breve (uma única sextilha), dá-nos uma visão panorâmica do que acontece dentro do navio. Há um sentimento de horror e de indignação: Que quadro de amarguras! É canto funeral!... Que tétricas figuras!... Que cena infame e vil... Meu Deus! Meu Deus! Que horror! expresso numa linguagem emotiva que as sucessivas exclamações bem acentuam. Vários termos contribuem para se poder constituir um campo semântico do terrível: amarguras, funeral, tétricas, infame e vil, Que horror! Em contraposição ao descrito anteriormente, o sujeito poético, chocado com a realidade que observa de um plano superior ( Desce do espaço, ó águia do oceano! / [...] não pode olhar humano / Como o teu mergulhar no brigue voador! ), agora já não idealizada, exprime a sua revolta e repudia o que vê.

14 Na quarta secção composta por seis sextilhas, descrevem-se os horrores que acontecem no navio. As referências literárias por analogia acontecem logo no primeiro verso desta secção: Era um sonho dantesco... : o navio é a encarnação do Inferno de Dante, mas onde vão parar não mortos, mas vivos (poderíamos falar de mortosvivos). A cor vermelha remete para o sangue, consequência de violentos castigos( Tinir de ferros... Estalar de açoite... ) sobre uma mancha negra que se confunde com a noite ( Legiões de homens negros como a noite ) e que causa horror mesmo que numa actividade lúdica ( horrendos a dançar ). A emoção aumenta na estrofe seguinte quando o sujeito poético se detém no elemento feminino que amamenta os seus filhos não com leite, mas com sangue ( cujas bocas pretas / Rega o sangue das mães ). Outras mulheres mais jovens ( Outras moças, mas nuas e espantadas ) aí permanecem no meio de cadáveres ( No turbilhão dos espectros arrastadas ), a quem nada vale o sofrimento ( Em ânsia e mágoa vãs! ).

15 Paradoxais são as imagens da estrofe seguinte: não se houve pranto, mas uma orquestra irônica, estridente, emergindo da dança macabra um ser louco, símbolo do Mal ( E da ronda fantástica a serpente / Faz doudas espirais ). A expressão de sofrimento ( Ouvem-se gritos... ) incita ao castigo e não à piedade ( o chicote estala / E voam mais e mais... ). Os escravos são uma cadeia de agrilhoados ( Presos nos elos de uma só cadeia ) que, paradoxalmente ( E chora e dança ali! atente-se no polissíndeto), estão unidos por diferentes sinais de loucura: Um de raiva delira, outro enlouquece, / Outro, que martírios embrutece, / Cantando, geme e ri!. Deste grupo destaca-se o capitão que se desdobra em carrasco: o capitão manda a manobra, / [...] «Vibrai rijo o chicote, marinheiros! / Fazei-os mais dançar!...

16 Repetem-se os três primeiros versos da terceira estrofe na última sextilha e a imagem de Inferno surge como um pesadelo em que já não são corpos, mas sombras que se anunciam. Num tumulto de ruídos ( Gritos, ais, maldições, preces ressoam! ) sobressai Satanás como se Deus estivesse surdo às preces, esse Deus a quem o sujeito poético recorre ainda na parte seguinte.

17 Na quinta parte, o sujeito poético interpela Deus no sentido de obter uma justificação para tanto sofrimento ( Dizei-me vós, Senhor Deus! / Se é loucura... se é verdade / Tanto horror perante os céus?! ), o qual se apresenta como uma mancha indelével ( Ó mar, porque não apagas / (...) / De teu manto este borrão?... ) contra a qual nenhum elemento consegue atuar ( Astros! noites! tempestades! / Rolai das imensidades! / Varrei os mares, tufão! ). Continua o grito de indignação perante aquele espetáculo e perante Deus que, em vez de se compadecer, ri ( Que não encontram em vós / Mais que o rir calmo da turba ), provocando a fúria do algoz. Sentindo o seu apelo impotente, recorre então o sujeito poético à Musa que pode funcionar como alegoria do poema de denúncia ( Dize-o tu, severa Musa, / Musa libérrima, audaz!... ).

18 Na estrofe seguinte atribui-se uma identidade aos sofredores, primeiro às personagens masculinas ( São os filhos do deserto / (...) / A tribo dos homens nus ) e depois às femininas ( São mulheres desgraçadas ). Os primeiros viveram um passado em que eram simples, fortes, bravos para não serem hoje senão míseros escravos, reduzidos a nada ( Sem luz, sem ar, sem razão... ). As segundas são postas em paralelo com uma personagem bíblica, Agar, personagem de mãe martirizada ( Como Agar sofrendo tanto, / Que nem o leite de pranto / Têm que dar para Ismael. ). Essas personagens foram todas retiradas do seu habitat natural ( Lá nas areias infindas, / Das palmeiras no país ), do qual se têm de despedir ( Adeus, ó choça do monte, / Adeus, palmeiras da fonte!... / Adeus, amores... adeus... ).

19 O movimento subsequente atente-se na repetição anafórica do advérbio de tempo depois é a da travessia do deserto ( Depois, o areal extenso / Depois, o oceano de pó ) que traz a desistência ( Ai! quanto infeliz que cede, / E cai p ra não mais s erguer!... ) e a morte ( Mas o chacal sobre a areia / Acha um corpo que roer ). Dois momentos são postos em oposição: um passado de liberdade ( Ontem a Serra Leoa / (...) / O sono dormido à toa / Sob as tendas d amplidão ) e de espaço ilimitado em contraposição a um presente com um espaço confinado ( o porão negro, fundo / Infecto, apertado, imundo ) e onde ronda a morte ( Pelo arranco de um finado, / E o baque de um corpo ao mar... ). A estrofe seguinte retoma a oposição entre dois tempos: Ontem plena liberdade / Hoje... cúmulo de maldade / Nem são livres p ra morrer e oferece um espectáculo que só pode suscitar o riso de Satanás ( E assim zombando da morte / Dança a lúgubre coorte ). A secção encerra de forma circular com a repetição literal da primeira sextilha

20 Na sexta e última parte, de apenas três estrofes, mas as mais extensas, visto tratarem-se de oitavas, o sujeito poético lamenta e critica a sua pátria por se servir de atos infames como a escravatura: Existe um povo que a bandeira empresta / P ra cobrir tanta infâmia e cobardia!.... E a indignação cresce: E deixa-a transformar-se nessa festa / Em manto impuro de bacante fria! A interpelação a Deus vai no sentido de exprimir a incompreensão perante o facto de uma nação representada na bandeira se manter indiferente a tanto sofrimento mesmo que só a poesia possa expressá-lo.

21 Na estrofe seguinte, o sujeito poético dirige-se à bandeira ( Auriverde pendão de minha terra ) e revolta-se por esta servir dois propósitos distintos: ela foi o símbolo de um povo vitorioso, com esperança e livre ( Estandarte que a luz do sol encerra / E as promessas divinas da esperança... / Tu que, da liberdade após a guerra, / Foste hasteado dos heróis na lança ), mas é agora desprezível por permitir a escravatura e a morte ( Antes te houvessem morto na batalha / Que servires a um povo de mortalha!... ). Há ainda que notar que o adjetivo auriverde integra as cores da bandeira brasileira, verde e amarelo, manifestação da identidade nacional, valorizando a riqueza natural do ouro e das florestas do Brasil. No segundo verso desta estrofe ( Que a brisa do Brasil beija e balança ) é evidente a musicalidade da aliteração em b, em a e em s.

22 E o poema termina com um sentimento de vergonha: Extingue nesta hora o brigue imundo / O trilho que Colombo abriu nas vagas. A descoberta de Colombo deixou nos mares uma ferida ( Da etérea plaga ); se a descoberta do Novo Mundo só acarretou um ato vil, mais valeria que as navegações nunca tivessem acontecido. A análise do poema levou-nos a perceber o caráter profundamente trágico do episódio e a compreender que o subtítulo do mesmo se justifica plenamente, daí que mereça a nossa atenção.

23 Depois de uma análise linear não podemos deixar de retomar o subtítulo do poema que lhe serve de síntese. A referência ao dramático e a relação com o género dramático são facilitadas pelo facto de Castro Alves, além de ser poeta, ser também dramaturgo, autor de Gonzaga, ou a Revolução de Minas. Este subtítulo contém dois elementos, um referente ao género dramático, Tragédia, se o lermos de forma particular ou, num sentido mais geral, reportando-se a uma situação de catástrofe, e o outro que remete para a localização espacial, no mar, que, pelo seu isolamento, torna a situação ainda mais trágica. Mas por que se fala de trágico? O que o define neste contexto? O trágico define-se como uma essência do homem e uma dimensão do texto. Hegel define-o através de um afastamento do herói entre exigências contraditórias. Nesta perspectiva, o trágico é produzido por um conflito inevitável e insolúvel, não por uma série de catástrofes ou de fenômenos naturais horríveis. O mal trágico é irremediável.

24 O navio é o cenário e o amontoado de negros, homens, mulheres e crianças, o protagonista. Os corpos nus formam uma mancha negra a juntar à ausência de luz nesse espaço mais ou menos cavernoso, interior e fundo. Confinados a um espaço exíguo o porão revela prateleiras onde se têm de acomodar tantos escravos, isolados no meio de um mar sem retorno, estas personagens estão ainda agrilhoadas com correntes e algemas, manifestação de domínio e ordem. À multidão de escravos seminus opõem-se três homens brancos, vestidos com roupas limpas e bem tratadas e que transportam um escravo morto que é necessário aliviar do navio. Tanto no poema quanto na tela estamos perante um drama da tortura que a personagem bíblica de Agar representa. Perante esta mãe sofredora não há qualquer compadecimento dos cristãos.