Orquestra Sinfónica. do Porto Casa da Música. 7 Abr :00 Sala Suggia. Baldur Brönnimann direcção musical. Unsuk Chin

Transcrição

1 Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música 7 Abr :00 Sala Suggia Baldur Brönnimann direcção musical 1ª PARTE Philippe Manoury/Claude Debussy Rêve (da Primeira Suite para orquestra) (c , orq.2011; c.8min) Unsuk Chin Mannequin (2015; c.27min)* 1. Music Box Fever Dream (Caixa de música Sonho febril) 2. Sandman and Child (O Homem da Areia e a Criança) 3. Dance of the Clockwork Girl (Dança da rapariga mecânica) 4. The Stolen Eyes (Os olhos roubados) 2ª PARTE Magnus Lindberg Concerto para orquestra (2003; c.28min)* * Estreias em Portugal Cibermúsica; 17:15 Palestra pré concerto por Daniel Moreira

2 Maestro Baldur Brönnimann sobre o programa. A CASA DA MÚSICA É MEMBRO DE

3 Philippe Manoury TULLE, 19 DE JUNHO DE 1952 Claude Debussy SAINT GERMAIN EN LAYE, 22 DE AGOSTO DE 1862 PARIS, 25 DE MARÇO DE 1918 Rêve (da Primeira Suite para orquestra) Só em 2008 foi publicada a Primeira Suite para orquestra de Claude Debussy 90 anos após a sua morte! Trata se de uma obra de juventude, composta, ao que se sabe, entre o final de 1882 e o início de 1884, quando Debussy era ainda estudante. A partitura esteve perdida desde então, tendo sido descoberta por acaso, muito recentemente, na Biblioteca Pierpont Morgan de Nova Iorque. Apareceu logo em dois manuscritos: a versão orquestral propriamente dita e uma versão para dois pianos. Se esta última foi encontrada completa, já da versão orquestral apareceram apenas três dos quatro andamentos que constituem a Suite, ficando a faltar o terceiro, intitulado Rêve. Foi então encomendada uma orquestração desse andamento ao compositor francês Philippe Manoury, e é justamente esse trabalho (de 2011) que abre o concerto de hoje. Não admira, sendo uma obra tão inicial (Debussy tinha 20 e poucos anos quando a escreveu), que não seja óbvio encontrar nela o compositor que conhecemos de obras mais tardias como Pelléas et Melisande (1902), La Mer (1905) ou os Prelúdios para piano (1910, 1913). (Afinal, mesmo o Prélude à l après midi d un faune, uma das primeiras obras canónicas de Debussy e, para muitos, a obra que inaugura a música moderna, seria apenas composto entre 1892 e 1894, dez anos depois, portanto, desta Suite.) Curiosamente, dos quatro andamentos da Suite, é justamente o terceiro (o tal Rêve) aquele cujo estilo mais aponta para o futuro Debussy, em especial pelas sonoridades quase aquáticas (proto impressionistas) que transparecem já na versão para dois pianos. De resto, a orquestração de Manoury reforça esse proto impressionismo do terceiro andamento, ao aplicar, nalgumas partes, técnicas de orquestração características de um Debussy mais tardio o de La Mer, por exemplo (um exercício reconhecidamente anacrónico, mas nem por isso menos fascinante). Essa antevisão do futuro Debussy é especialmente evidente na primeira parte da orquestração, muito colorida e detalhada, enquanto a parte central tem uma sonoridade mais romântica, revelando, nas palavras do próprio Manoury, a filiação do jovem compositor nos compositores mais velhos que o influenciavam nessa altura, como Saint Saëns ou Wagner (Manoury encontra até, nesta peça, referências explícitas ao Parsifal de Wagner). PHILIPPE STIRNWEISS 3

4 Unsuk Chin SEUL, 14 DE JULHO DE 1961 Mannequin A música de Unsuk Chin é povoada por imagens. Muitas das suas obras procuram, por exemplo, traduzir em música os fenómenos da luz e da cor: é o caso de Rocaná (2008), uma peça para orquestra inspirada pelo comportamento dos raios de luz (as suas distorções, refracções e reflexões). Outras peças evocam a gestualidade humana (um outro tipo de movimento visual): é o caso de Gougalon (2011), obra para ensemble que evoca memórias do teatro de rua que Chin presenciou na sua infância e adolescência na Coreia do Sul (então muito pobre, nos anos 60 e 70 do século passado); e de Cosmigimmicks (2012), também para ensemble, inspirada pela arte da pantomima, uma arte que fascina Chin pela capacidade de resumir arquétipos e histórias de vida completas em meia dúzia de gestos. A compositora fala também frequentemente da ligação da sua música às imagens dos sonhos: A minha música é um reflexo dos meus sonhos. Tento traduzir em música as visões de imensa luz e de um incrível esplendor de cores que vejo nos meus sonhos ( ) A sua beleza é muito abstracta e remota, mas é precisamente por estas qualidades que se dirige às emoções. São características que transparecem de forma bastante directa na sua música. Por exemplo, tal como nos sonhos, também na música de Chin reina a incerteza e o inesperado, a fantasia e a surpresa, e até o nonsense (não é por acaso que, em 2007, compôs uma ópera sobre o livro Alice no País das Maravilhas de Lewis Carroll). E é também evidente à audição o requintadíssimo colorido sonoro da sua música. De resto, ela própria tem descrito o modo como dois eventos na sua formação a encaminharam nesse sentido de fazer da sua música uma fantasia de cores sonoras : os estudos com Ligeti, em Hamburgo, entre 1985 e 1988; e o trabalho que desenvolveu, entre 1988 e 1990, num estúdio de música electrónica em Berlim (cidade onde desde então reside). A obra que hoje ouvimos, Mannequin (2015), representa claramente uma continuação desses interesses, em especial em torno da gestualidade humana, sendo que (depois do teatro e da pantomima) o modelo é agora pela primeira vez na obra de Chin a dança. E assim como Chin apelidou Gougalon e Cosmigimmicks de música folclórica imaginária ou teatro imaginário (lembrando a expressão similar de Bartók a propósito da sua recriação da música popular húngara), também Mannequin é encarado como uma coreografia imaginária : mais do que fazer música de dança no sentido literal (e clássico) do termo, o que ERIC RICHMOND 4

5 lhe interessa é evocar o potencial expressivo e dramático do movimento corporal humano. A obra liga se também explicitamente à dimensão dos sonhos ou melhor, neste caso, dos pesadelos! A música é, na verdade, livremente baseada no conto fantástico Der Sandmann (1817) do escritor e crítico romântico E. T. A. Hoffmann ( ), que nos relata os tormentos (reais? ilusórios?) do jovem Nathanael face à figura (reencarnada de múltiplas formas) do Homem da Areia, uma espécie de entidade mítica do sono nos países do Norte da Europa, mais ou menos comparável ao nosso João Pestana. Ora, no conto, a ama de Nathanael aterrorizava o com uma versão tenebrosa do mito, em que o Homem da Areia roubava os olhos das crianças mal comportadas e os servia de alimento às suas crias que viviam na Lua. É exactamente essa atmosfera que é captada nos dois primeiros andamentos da obra de Unsuk Chin: no primeiro (intitulado Caixa de música Sonho febril), uma sonoridade misteriosa de celesta, harpa e percussão instala uma atmosfera simultaneamente sonolenta e mágica, que se torna gradualmente mais sinistra; no segundo (O Homem da Areia e a Criança), a música começa com uma pulsação estranha e inquietante, resultante das ligeiras irregularidades rítmicas e da sonoridade quase imaterial (harmónicos na harpa e nas cordas), quase sugerindo o pulsar nervoso do coração de Nathanael, cheio de medo, à espera do Homem da Areia. Os outros dois andamentos aludem a outros aspectos da história de Hoffmann: no terceiro (Dança da rapariga mecânica), predominam sons curtos e secos, que gradualmente se acumulam para formar uma espécie de mecanismo musical evocando Olimpia, um autómato feminino do tamanho de uma mulher real, pelo qual Nathanael se apaixona sem se aperceber da sua natureza; por fim, o quarto andamento (Os olhos roubados) é talvez, de todos, o mais tétrico, aludindo ao leitmotif do olho (associado, no conto, ao Homem da Areia e aos seus duplos Spallanzani e Coppelius que roubam, inventam ou vendem olhos ou objectos similares como lentes ópticas). Co encomendada pelo Southbank Centre, a Orquestra Sinfónica de Boston, a Orquestra Sinfónica Nacional da Dinamarca e a Orquestra Sinfónica de Melbourne, a obra foi estreada há quase exactamente três anos (a 9 de Abril de 2015), no Sage Gateshead, em Londres, com a Orquestra Nacional de Jovens da Grã Bretanha, dirigida por Ilan Volkov. 5

6 Magnus Lindberg HELSÍNQUIA, 27 DE JUNHO DE 1958 Concerto para orquestra Tal como o seu compatriota e predecessor Jean Sibelius, também Magnus Lindberg se tem notabilizado, acima de tudo, pela música orquestral (o próprio tem repetidamente afirmado que a orquestra é o seu instrumento preferido). Assim, às oito sinfonias e mais de uma dúzia de poemas sinfónicos de Sibelius correspondem mais de duas dezenas de obras para orquestra de Lindberg, muitas das quais se tornaram já verdadeiros clássicos modernos: é o caso de Kraft (1985), Aura (1994), Feria (1997), do Concerto para clarinete (2002) e de Seht die Sonne (2007), e também deste Concerto para orquestra (2003) que hoje ouvimos. Essas obras são muito diversas: da energia ruidosa e violência dionisíaca de Kraft (1985), obra de juventude influenciada, entre outros, por Xenákis, pelo free jazz e pela música industrial dos Einstürzende Neubauten, à harmonia consonante e à sobriedade expressiva de Two Episodes (2016), obra de maturidade com referências directas à música de Beethoven e afinidades com Debussy e Ravel, parece difícil, à primeira vista, descortinar semelhanças e reconhecer, até, tratar se do mesmo compositor. Mas entre essas duas abordagens, tão contrastantes, o percurso foi gradual: já Twine, obra para piano de 1988, evidenciava a busca de sonoridades mais transparentes e de um ideal de forma e expressão mais apolíneo, aspectos de um novo classicismo que se foi intensificando nos anos seguintes em obras como o Concerto para piano (1991) e Cantigas (1999). De resto, esse confronto que muitas vezes se faz entre o Lindberg inicial e o Lindberg actual mascara uma unidade mais fundamental, pois certos aspectos do seu estilo têm permanecido inalterados: o fascínio por grandes massas orquestrais (a sua música orquestral é tipicamente densa, privilegiando grandes blocos de sonoridade); a energia rítmica, muito intensa e directa (traduzindo, talvez, a sua afeição pela música rock); e a centralidade da harmonia, sempre muito rica e estruturada, permitindo lhe organizar discursos musicais de grande escala e com forte pendor dramático. Composto entre 2002 e 2003, em resposta a uma encomenda da BBC, o Concerto para orquestra manifesta todos esses traços estilísticos recorrentes, ao mesmo tempo que as harmonias predominantemente transparentes e consonantes, a par de ocasionais referências à música do passado, o inserem no tal classicismo (que o próprio Lindberg define como um gosto pelo equilíbrio: pelo drama no equilíbrio da forma ). Mas esta peça responde também a um desafio muito particular, indicado pelo título: trata se de um Concerto para orquestra, ou seja, de uma peça em que se espera (como no célebre Concerto para orquestra de Bartók) que diferentes instrumentos (e grupos de instrumentos) tenham, alternadamente, um papel solista, e, consequentemente, toquem música de carácter virtuosístico. Curiosamente, esse aspecto não é evidente na primeira parte da obra: ainda que, a espaços, certos instrumentos tenham intervenções mais proeminentes (como as fanfarras iniciais nos trompetes ou uma breve cantilena lírica nos oboés), não só o foco de actividade está constantemente a mudar de uns instrumentos para outros, como predomina uma escrita densa, com as grandes massas orquestrais características do autor. Perguntamo nos, então: quando é que 6

7 a música se vai tornar mais explicitamente um concerto para orquestra? Quando teremos os esperados solos? A secção central dá nos a resposta: depois de um gigantesco clímax (que, para o crítico Martin Anderson, representa como que a chegada ao cume de uma montanha), aparecem de facto uma série de longos solos e passagens para pequenos ensembles: um primeiro solo extremamente lírico (quase romântico) na flauta alto, acompanhado pela filigrana de quatro violas solo; um outro momento, mais à frente, com um trio de flautas (quase música de pássaros); outro, mais irrequieto, com um quarteto de clarinetes; outro, ainda mais intrépido e virtuosístico, para o violino solo; e outro, mais cantabile, no piano (para o mesmo crítico, que chega a comparar a obra de Lindberg à Sinfonia Alpina de Richard Strauss, estes momentos sugerem a contemplação de amplas vistas depois de alcançado o topo da montanha). Depois destes momentos mais camerísticos (e, portanto, mais íntimos), regressa a força da massa orquestral, primeiramente numa secção muito ritmada e divertida (uma espécie de scherzo), e finalmente numa secção de carácter mais épico e radiante. Do ponto de vista do género, há, na obra de Lindberg, um antecedente para este concerto para orquestra: trata se de Aura (1994), obra que combina elementos de um concerto para orquestra (pela escrita virtuosística) e de uma sinfonia (pela estrutura em quatro andamentos). Nesse caso, porém, o compositor absteve se de dar à obra um desses títulos mais convencionais. É aliás curioso constatar que não deu o título de sinfonia a nenhuma das suas obras, talvez um reflexo (inconsciente?) do peso histórico das sinfonias de Sibelius na tradição finlandesa. Seja como for, foi na sequência deste Concerto para orquestra que Lindberg, por outra via, se aproximou de Sibelius, ao ser lhe atribuído, pouco depois da estreia desta obra, o prestigioso Prémio Wihuri, que Sibelius recebera também em 1953 (um prémio atribuído anteriormente a compositores como Chostakovitch, Britten, Stravinski, Messiaen e Ligeti; e posteriormente a Kaija Saariaho, compatriota de Lindberg, e a outra compositora deste concerto, Unsuk Chin). DANIEL MOREIRA, 2018 SAARA VUORIJOKI 7

8 Baldur Brönnimann direcção musical Baldur Brönnimann é considerado um dos melhores maestros de música contemporânea em todo o mundo. Desenvolveu estreitas colaborações com compositores de topo tais como John Adams, Saariaho, Birtwistle, Chin, Lachenmann, Lindberg, Haas e outros, e dirigiu obras importantes de Ligeti, Romitelli, Boulez, Vivier e Zimmermann, destacando se actuações recentes nos BBC Proms e na Konzerthaus de Viena. Maestro de grande versatilidade com uma abordagem aberta à programação e à interpretação musical, divide o seu tempo entre as salas de concerto e os teatros de ópera, e sempre que possível procura actividades de âmbito educativo e comunitário. É Maestro Titular da Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música e da Basel Sinfonietta. Na temporada de 2017/18, Brönnimann estreia se no Lincoln Center em Nova Iorque para dirigir Dark Mirror de Zender, uma recriação da Viagem de Inverno de Schubert com Ian Bostridge, no Mostly Mozart Festival; e em concertos da temporada da Sinfónica de Oregon. Na Europa, apresenta se pela primeira vez com a Sinfónica da Rádio de Frankfurt no Festival de Darmstadt; a Sinfónica WDR num programa que celebra o 100º aniversário do nascimento de Zimmermann; a Sinfónica Nacional da Estónia e a Orquestra Nacional de Lyon. Alguns dos momentos altos das temporadas anteriores foram projectos com as Filarmónicas de Oslo, Estocolmo, Estrasburgo e Bergen, a Philharmonia Orchestra e as Sinfónicas da BBC e de Seul, entre outras. Mais recentemente, estreou se à frente da Sinfónica da Rádio de Viena, da Sinfónica Nacional Dinamarquesa e das Orquestras de Câmara Aurora e de Munique. Colabora regularmente com o Klangforum Wien, em Viena e em digressão. No domínio da ópera, Brönnimann dirigiu Le Grand Macabre de Ligeti na English National Opera, na Komische Oper de Berlim e no Teatro Colón (Argentina), em produções de La Fura dels Baus e Barrie Kosky; Death of Klinghoffer de John Adams na English Nacional Opera; L Amour de Loin de Saariaho na Ópera Norueguesa e no Festival de Bergen; e Index of Metals de Romitelli com Barbara Hannigan no Theater an der Wien. No Teatro Colón, dirigiu também Erwartung de Schoenberg, Hagith de Szymanowski e The Little Match Girl de Lachenmann com o compositor no papel de narrador. Enquanto Maestro Titular da Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música e da Basel Sinfonietta, Baldur Brönnimann continua a dirigir programas onde combina de uma forma inesperada obras contemporâneas e desconhecidas com o repertório corrente. Entre 2011 e 2015, foi Director Artístico do principal ensemble norueguês de música contemporânea, BIT20. Foi Director Musical da Orquestra Sinfónica Nacional da Colômbia em Bogotá entre 2008 e Natural da Suíça, Baldur Brönnimann estudou na Academia de Música da Basileia e no Royal Northern College of Music em Manchester, onde foi posteriormente nomeado Professor Convidado de Direcção de Orquestra. Actualmente vive em Madrid. 8

9 Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música Baldur Brönnimann maestro titular Leopold Hager maestro emérito A Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música tem sido dirigida por reputados maestros, de entre os quais se destacam Olari Elts, Peter Eötvös, Heinz Holliger, Elihau Inbal, Michail Jurowski, Christoph König (maestro titular no período ), Reinbert de Leeuw, Andris Nelsons, Vasily Petrenko, Emilio Pomàrico, Peter Rundel, Michael Sanderling, Vassily Sinaisky, Tugan Sokhiev, John Storgårds, Joseph Swensen, Ilan Volkov, Antoni Wit, Takuo Yuasa e Lothar Zagrosek. Entre os solistas que têm colaborado com a orquestra constam os nomes de Pierre Laurent Aimard, Jean Efflam Bavouzet, Pedro Burmester, Joyce Didonato, Alban Gerhardt, Natalia Gutman, Viviane Hagner, Alina Ibragimova, Steven Isserlis, Kim Kashkashian, Christian Lindberg, Tasmin Little, Felicity Lott, António Meneses, Midori, Truls Mørk, Kristine Opolais, Lise de la Salle, Benjamin Schmid, Simon Trpčeski, Thomas Zehetmair ou o Quarteto Arditti. Diversos compositores trabalharam também com a orquestra, no âmbito das suas residências artísticas na Casa da Música, destacando se os nomes de Emmanuel Nunes, Jonathan Harvey, Kaija Saariaho, Magnus Lindberg, Pascal Dusapin, Luca Francesconi, Unsuk Chin, Peter Eötvös, Helmut Lachenmann, Georges Aperghis, Heinz Holliger e Harrison Birtwistle, a que se junta em 2018 o compositor austríaco Georg Friedrich Haas. A Orquestra tem se apresentado também nas mais prestigiadas salas de concerto de Viena, Estrasburgo, Luxemburgo, Antuérpia, Roterdão, Valladolid, Madrid, Santiago de Compostela e Brasil, e ainda no Auditório Gulbenkian. As temporadas recentes da Orquestra foram marcadas pela interpretação das integrais das Sinfonias de Mahler, Prokofieff e Brahms e dos Concertos para piano e orquestra de Beethoven e Rachmaninoff. Em 2011, o álbum Follow the Songlines ganhou a categoria de Jazz dos prestigiados prémios Victoires de la musique, em França. Em 2013 foram editados os concertos para piano de Lopes Graça, pela Naxos, e o disco com obras de Pascal Dusapin foi Escolha dos Críticos na revista Gramophone. Nos últimos anos surgiram os CDs monográficos de Luca Francesconi (2014), Unsuk Chin (2015) e Georges Aperghis (2017), todos com gravações ao vivo na Casa da Música. Na temporada de 2018, a Orquestra apresenta um conjunto de obras chave da música austríaca: a integral das Sinfonias de Bruckner, os Concertos para violino de Mozart com Benjamin Schmid, a raramente interpretada cantata Gurre Lieder e o poema sinfónico Pelleas und Melisande de Schoenberg, As Estações de Haydn, além de uma retrospectiva da obra de Webern em parceria com o Remix Ensemble e o Coro Casa da Música. Surpreende ainda com a revelação de uma obra recém descoberta de Stravinski, um cine concerto com o filme Há Lodo No Cais em celebração dos 100 anos de Leonard Bernstein e as sonoridades inusitadas de um concerto de Haas ao lado de um quarteto de trompas alpinas! A origem da Orquestra remonta a 1947, ano em que foi constituída a Orquestra Sinfónica do Conservatório de Música do Porto, que desde então passou por diversas designações. Engloba um número permanente de 94 instrumentistas, o que lhe permite executar todo o repertório sinfónico desde o Classicismo ao Século XXI. É parte integrante da Fundação Casa da Música desde Julho de

10 Violino I James Dahlgren Radu Ungureanu José Despujols Evandra Gonçalves Andras Burai Ianina Khmelik Vladimir Grinman Vadim Feldblioum Roumiana Badeva Maria Kagan Alan Guimarães Diogo Coelho* Pedro Carvalho* Agostinha Jacinto* Violino II Ana Madalena Ribeiro Tatiana Afanasieva Lilit Davtyan Mariana Costa José Paulo Jesus Pedro Rocha Domingos Lopes Francisco Pereira de Sousa Paul Almond José Sentieiro Jorman Hernandez* Sara Veloso* Viola Joana Pereira Anna Gonera Luís Norberto Silva Francisco Moreira Emília Alves Biliana Chamlieva Theo Ellegiers Hazel Veitch Jean Loup Lecomte Rute Azevedo Violoncelo Nikolai Gimaletdinov Vicente Chuaqui Feodor Kolpachnikov Bruno Cardoso Michal Kiska Sharon Kinder Gisela Neves Aaron Choi Hrant Yeranosyan Alexander Znachonak* Contrabaixo António Augusto Aguiar* Joel Azevedo Tiago Pinto Ribeiro Altino Carvalho Slawomir Marzec Nelson Fernandes* João Fernandes* Jorge Castro* Flauta Paulo Barros Beatriz Baião* Alexander Auer Oboé Aldo Salvetti Roberto Henriques* Luciano Cruz* Clarinete Luís Silva Carlos Alves Gergely Suto João Moreira* Fagote Gavin Hill Robert Glassburner Vasily Suprunov Trompa Nuno Vaz* Eddy Tauber Hugo Carneiro José Bernardo Silva Bohdan Sebestik Pedro Fernandes* Trompete Sérgio Pacheco Luís Bernardo** Ivan Crespo Rui Brito Trombone Dawid Seidenberg Nuno Martins André Conde* Tuba Sérgio Carolino Tímpanos Jean François Lézé Percussão Bruno Costa Paulo Oliveira Nuno Simões André Dias* Sandro Andrade* Harpa Ilaria Vivan Piano/Celesta Luís Filipe Sá* Celesta Vítor Pinho* *instrumentistas convidados **estagiário Escola Superior de Música e Artes do Espectáculo IPP 10

11 Abr Seg 17:30 Auditório Edifício EDP - Sede Norte Saber Ouvir: 9º Curso Livre de História da Música 3º Módulo A Segunda Escola de Viana Por João Silva A tríade formada por Arnold Schoenberg, Alban Berg e Anton Webern deu origem à Segunda Escola de Viena, muito associada à linguagem musical revo lucionária que se desenvolveria a partir do final da Primeira Guerra Mundial até meados do século XX. Este módulo começa por recuar até ao final do século XIX, revelando a música e as histórias de compositores que fizeram a transição gradual desde o Romantismo para o Modernismo como Mahler e Zemlinsky. Decorre em estreita ligação com a programação do festival Música & Revolução, este ano dedicado à obra de Webern, um compositor que influenciou grande parte da música que se escreveu até ao nosso tempo. 20 Abr Sex 21:00 Sala Suggia Cantatas de Webern MÚSICA & REVOLUÇÃO 1ª Parte Remix Ensemble & Coro Casa da Música Peter Rundel direcção musical Christina Daletska soprano 2ª Parte Orquestra Sinfónica & Coro Casa da Música Baldur Brönnimann direcção musical Christina Daletska soprano Ivan Ludlow barítono Obras de Anton Webern Obras raramente apresentadas em concerto, as duas cantatas de Webern foram compostas em plena II Guerra Mundial, numa Áustria ainda ocupada pelo exército nazi, e são manifestamente religiosas, celebrando o amor a Deus e à sua criação apesar de terem sido escritas em ambiente de conflito apocalíptico. Resultam da colaboração que o compositor desenvolveu nos seus últimos anos com a poetisa Hildegard Jone, autora também do texto de Das Augenlicht e uma das suas principais parcerias artísticas. Neste concerto duplo, em que os agrupamentos residentes da Casa da Música apresentam a totalidade das obras de Webern para coro e conjuntos instrumentais, são ainda interpretadas as Seis peças para orquestra, op.6, uma obra pré-dodecafónica que descreve episódios ligados à morte da mãe do compositor.

12 MECENAS ORQUESTRA SINFÓNICA DO PORTO CASA DA MÚSICA APOIO INSTITUCIONAL MECENAS PRINCIPAL CASA DA MÚSICA