Dicas para utilizar o PDF

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2 Dicas para utilizar o PDF COMO PESQUISAR NO TEXTO Clique em editar => Localizar ou clique Ctrl + F. Na barra de ferramentas, digite sua pesquisa na caixa de texto localizar. COMO UTILIZAR O ZOOM Selecione Visualizar => Aplicar Zoom e selecione a opção desejada ou clique na barra de ferramentas + ou - para alterar o zoom. Você ainda pode escolher Ferramentas => Selecionar e zoom => Zoom dinâmico e arraste para aumentar uma área. COMO IMPRIMIR Clique no ícone imprimir, ou selecione arquivo => imprimir. Se preferir clique em Ctrl + p para imprimir o arquivo. Selecione visualizar => modo de leitura ou modo tela cheia para ler com mais facilidade o arquivo. Para retornar à página anterior ou ir para a próxima página clique nos seguintes ícones: Obtenha maiores informações selecionando Ajuda => Como => Fundamentos do Adobe Reader. 2

3 Ensino a Distância Disciplina Educação Musical Autores Mayara Tatiane Leal, Paulo César Fernandes Brum, Paulo H. Winterle, Suelem Scholl Matter e Vaneska Ratund Design / Diagramação Tina Perrone Guilherme Cruz da Silveira Atendimento ao Aluno EAD DDG DDG: alunoead@ulbra.br Campus Canoas: Av. Farroupilha, 8001 Prédio 11 2º andar - Corredor central - Sala 130 Canoas/RS Atendimento de segunda-feira a sexta-feira: Manhã/Tarde/Noite: Das 8:00hs às 22:30hs Atendimento aos sábados: Manhã: 8:00hs às 12:00hs 3

4 Como a Música é atividade que atinge diretamente a sensibilidade da criança, encontramos nela um caminho certo para a sua educação integral. A Educação Musical com propósitos definidos, resultará mudanças na criança, que contribuirão para o desenvolvimento da sociedade. (Fernando Messias de Souza) 4

5 Apresentação Geral do conteúdo INTRODUÇÃO 1 2 Educação musical é a educação que oportuniza ao indivíduo o acesso à música enquanto arte, linguagem e conhecimento. A educação musical, assim como a educação geral e plena do indivíduo, acontece assistematicamente na sociedade, por meio, principalmente, da industria cultural e do folclore e sistematicamente na escola ou em outras instituições de ensino. Nem sempre a Educação Musical busca a formação do músico profissional, muito embora para estes os conhecimentos desta área sejam importantes. A Educação Musical no âmbito da escola regular, por exemplo, busca musicalizar o indivíduo, ou seja, dar a ele as condições para que compreenda o que se passa no plano da expressão e no plano do significado quando ouve ou executa música. Musicalizar é dar ao indivíduo as ferramentas básicas para a compreensão e utilização da linguagem musical. A música é uma linguagem sonora, e também de movimento, assim como a dança. Ambas ocorrem na dimensão temporal: têm princípio, meio e fim, e necessitam que transcorra um determinado espaço de tempo para que possam ser apreciadas. Importante, também, é perceber-se a necessidade de um intérprete o espectador não terá condições de apreciar uma obra musical, uma coreografia, se não for executada por alguém - uma ou mais pessoas. Isso remete à condição extremamente socializadora dessas artes. O artista, pois, ao mesmo tempo em que deseja expressar suas emoções, ansiedades, sentimentos ou percepções do quotidiano, necessita ardentemente que alguém o perceba. Mais que isso, precisa ver sua obra (ou interpretação) apreciada e aplaudida por outros. Eis a personalidade altruísta que aqui se estabelece: tanto mais se regozijará o artista quanto mais puder sentir que, verdadeiramente, tiver agradado aquele que o assiste. Outro aspecto a ser ressaltado é o da abstração. São linguagens desprovidas de palavras*. A música é a arte de combinar os sons, percebida pela audição, direcionada ao intelecto humano que, após processar as informações assimiladas pelos sentidos, inevitavelmente desencadeará sensações, emoções e reflexões. Educação Musical no Brasil A trajetória da Educação Musical, no Brasil, acompanha o desenrolar da educação brasileira. Há registros de uso da música na educação desde a chegada das primeiras missões jesuíticas ao país. Neste período, a música, bem como as demais artes, era empregada na catequese. Este quadro permanece praticamente inalterado, à exceção da ampliação dos colégios jesuítas, durante os séculos XVI, XVII e primeira metade do século XVIII. 1 Cabral, G.; Silveira, W.; Florêncio, F. (2011), Criação, Apreciação e Performance com Suporte Digital no Ensino Básico de Música. In XX Congresso Anual da ABEM, 11, Vitória, BORGES, Gilberto André. Tecnologias da Informação e Comunicação na formação inicial do professor de música: um estudo sobre o uso de recursos tecnológicos por estudantes de licenciatura em música no Estado de Santa Catarina. Dissertação de mestrado. Universidade do Estado de Santa Catarina. Programa de Pós-Graduação em Música. Florianópolis, 2010.[1] 5

6 Na segunda metade do século XVIII, mudanças na legislação educacional são impetradas pelo Marquês de Pombal. São as chamadas Reformas Pombalinas, as quais buscavam adequar o estado português ao pensamento iluminista. As Reformas Pombalinas desestruturaram o ensino religioso sem, contudo, implementar um sistema educacional laico, público e gratuito. Por esta época, assim dizendo, músicos organizavam-se nas chamadas irmandades. Foram as irmandades que contribuíram para a difusão da música durante a segunda metade do século XVIII, já que os padres-músicos eram poucos. Durante o Vice-Reinado e o Brasil Império, vamos ter uma política educacional orientada para a formação de nível superior buscando suprir uma demanda do próprio Estado no que concernia à carreiras liberais e militares. Registros de Educação Musical neste período podem ser encontrados nas Escolas Normais, onde a música sempre foi considerada parte importante na formação de novos docentes. Considerado o maior movimento de Educação Musical de massas já ocorrido no Brasil, o Canto Orfeônico ligava-se ao ideário escolanovista e tem sua imagem profundamente ligada ao governo de Getúlio Vargas. Foi durante o Estado Novo que o Canto Orfeônico se constituiu enquanto movimento, tendo à frente, o maestro Heitor Villa-Lobos. O Canto Orfeônico esteve presente nas escolas brasileiras até o final da década de 1960, momento em que desaparece paulatinamente da educação. Isto aconteceu, entre outros motivos, depois da promulgação da Lei 5.692/1971, a qual tornou obrigatório o ensino de artes instituindo a chamada polivalência na disciplina Educação Artística. A utilização da tecnologia na educação musical Tecnologia (do grego τεχνη técnica, arte, ofício e λογια estudo ) é um termo que envolve o conhecimento técnico e científico e as ferramentas, processos e materiais criados e/ou utilizados a partir de tal conhecimento. Existem vários tipos de tecnologia e cada uma atua em uma frente, trazendo diferentes resultados e cenários para a sociedade. Em relação à educação, a tecnologia vai agir como um processo facilitador e enriquecedor da mesma, pois procura auxiliar o processo de aprendizagem disponibilizando para a sociedade novas formas de ensino, ou ainda aperfeiçoando métodos antigos através de recursos inovadores. Um exemplo disso é a exploração de recursos tecnológicos disponíveis na educação musical, mais especificamente falando, das chamadas Tecnologias da Informação e Comunicação - TIC. O desenvolvimento de tecnologias computacionais aplicadas à música tem colaborado no fazer musical de forma decisiva. Softwares de edição, gravação e criação musicais, incluindo a manipulação do som em tempo real, a utilização em rede, com ambientes interativos que permitem a realização de criações e arranjos coletivos e outros recursos, têm ampliado enormemente as possibilidades de se fazer, divulgar, apreciar, ensinar e aprender música. Estes recursos vêm sendo gradativamente incorporados à educação musical, possibilitando não apenas práticas inovadoras de educação musical como também a democratização da tecnologia digital.[1] 6

7 De olho nesta tendência, algumas empresas e instituições estão criando ferramentas e métodos que facilitam e aceleram o processo de ensino de música através da tecnologia. Não obstante a isto, o desenvolvimento colaborativo de programas de computador por meio de projetos de desenvolvimento de código aberto e de plataformas e sistemas computacionais livres despontam como importante movimento de democratização do acesso à cultura digital. A utilização de programas de computador de código aberto e de licenças livres nas redes públicas de ensino constituem uma realidade desde o início da primeira década deste século XX e representam uma nova forma de desenvolvimento tecnológico colaborativo, aberto e participativo, com claras implicações para a educação em geral e, mais especificamente, para a Educação Musical EAD. 7

8 Professores Autores MAYARA LEAL é bacharel em Musicoterapia e tecnóloga em Música pela Escola Sinodal de Educação Profissional de São Leopoldo/RS, graduada em pedagoga pela ULBRA e aluna de Pós-graduação em Psicopedagogia Clínica e Institucional em Novo Hamburgo/RS. Atua como Educadora Musical em escolas públicas e particulares, projetos sociais, e como musicoterapeuta em Instituições voltadas para pessoas com necessidades especiais. PAULO CESAR FERNANDES BRUM (Coordenador) é formado em Teologia pelo Seminário Concórdia de São Leopoldo, e em Música, regência e composição pela UFRGS, com especializações nacionais e internacionais na área da Música (UFRGS) e Teologia (Seminário Concórdia de São Leopoldo, Escola Superior de Teologia e Universidade Luterana do Brasil - ULBRA). É Mestre em Música Práticas Interpretativas pelo Programa de Pós-Graduação da UFRGS também aluno do programa de Mestrado em Teologia pelo Programa de Pós-Graduação da Faculdade de Teologia do Seminário Concórdia de São Leopoldo (IELB) com ênfase em Hinologia e Liturgica. É Mestre de Capela da ULBRA (Capelão de Música da ULBRA) e Diretor de Música da CELSP (Pastor através da Música da Comunidade Evangélica Luterana São Paulo ) atuando como coordenador e orientador dos programas e projetos de música na Universidade e Paróquia nas linhas educacional, histórica, confessional, erudita e contemporânea, junto com os diversos grupos musicais e vocais existentes, contribuindo para o desenvolvimento da música sacra na região. É professor de Órgão da Extensão da UFRGS, coordenador dos cursos de música da Extensão da ULBRA e professor-conteudista da disciplina de Educação Musical em Pedagogia da ULBRA. Lattes: SUELLEN SCHOL MATTER é mestranda no Programa de Pós-Graduação da Universidade Federal do Rio Grande do Sul em Musicologia/Etnomusicologia. Bacharel em Música (Canto) pela UFRGS em 2011.Possui o curso Técnico em música pela Escola Superior de Teolgia de São Leopoldo. Atua como preparadora vocal, solista vocal (soprano), professora de Educação musical e regente coral. lattes.cnpq.br/ PAULO HENRIQUE WINTERLE é graduado em comunicação social com habilitação em publicidade e propaganda pela Universidade Luterana do Brasil (2007) e graduando em música com habilitação em regência coral pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul. É diretor de arte publicitária, produtor audio-visual, violinista, guitarrista, maestro e diretor musical, atuando em orquestras, bandas e grupos vocais desde Trabalhou com coros infantis e adultos de diferentes níveis técnicos no programa de Extensão em Música da UFRGS e na Comunidade Luterana Concórdia de Porto Alegre. Atualmente, é maestro do Coro Universitário e Assessor Musical da ULBRA. VANESKA KRICK RATUND é graduada em Pedagogia Educação Infantil e Séries Iniciais e aluna de Pós Graduação Especialização em Gestão Escolar pela ULBRA. Atuou como Professora de Ensino Religioso, Educação Musical, Regente de Coro Adulto e Infantil. Atualmente é Coordenadora Geral de Ensino Religioso da Rede de Escolas da ULBRA. 8

9 SUMÁRIO 1. Fundamentos da Música 2. Notação Musical 3. Forma e Apreciação Musical 4. Grupos Instrumentais e Vocais 5. Noções de História da Música 6. Noções de Técnica Vocal 7. Música na Escola 8. Parlendas, Poesias, Hinos Pátrios e Cantigas de Roda 9. A Valorização da Música na Cultura Musical de Diferentes Etnias 10. A Aplicabilidade e Estudo da Música na Educação Infantil e Anos Iniciais do Ensino Fundamentas Sumário 9

10 EDUCAÇÃO MUSICAL Capítulo 1 Fundamentos da Música Origens e Evolução da Música Paulo Cesar Fernandes Brum Quando se movimenta, fala, se canta, se vive, tudo o que existe, estimula e produz música. Quando existe ação e reação ou movimento, há som, há Música. Tudo o que existe são corpos sonoros, pois cada um possui o seu som ou ruído característico. Esses sons podem ser combinados ou não. Ou seja, a Música, faz parte da essência do ser humano. A origem da música não pode ser estabelecida, nem a época de seu aparecimento. Presume-se que tenha se desenvolvido a partir da dança e da palavra cantada, uma vez que o canto sempre foi empregado, desde a época mais remota, em todas as cerimônias religiosas, quase sempre unido à dança, considerada pelos povos da antiguidade como arte sagrada. Não há vestígios de que ficasse gravado qualquer canto do homem pré-histórico, nada tendo ficado de concreto que nos possa revelar algo da música na era primitiva. É interessante lembrar que os musicólogos são unânimes em considerar que da associação da arte da dança e da palavra cantada é que surgiu a arte da música. Entre os povos da antiguidade destacam-se pela sua civilização os egípcios, os árabes, os assírios, os babilônicos, os caldeus, os hebreus, os indianos, os chineses e os gregos. A música antiga era absolutamente em uníssono, e tomava parte em todos os atos solenes, principalmente nas cerimônias religiosas. É na música cristã, porém, que vamos encontrar a origem das mais belas e sinceras realizações da arte musical, e a fonte de inspiração daqueles que, por suas sublimes melodias e ricas harmonias, deixaram seus nomes gravados na história da música. A palavra MÚSICA é de origem grega e significa a força das musas. Estas eram as ninfas que ensinavam aos seres humanos as verdades dos deuses, semideuses e heróis, através da poesia, da dança, do canto lírico, do canto coral, do teatro, etc. Todas estas manifestações eram acompanhadas por sons. Então a MÚSICA, numa definição mais precisa, seria a Arte de Ensinar. Até o século 15 ou 16, a atividade musical era exclusivamente utilitária: tinha a função ritual (em todas as religiões de todos os povos de todo o mundo), tinha função de comunicação (os trovadores, os rapsodos que levavam notícias, etc.), função de trabalho (marinheiros, soldados, etc.), cotidiana (ninar, lavar roupa etc.), lazer (canções e dança, música ambiente nas cortes, acompanhando poemas e peças teatrais) e outras atividades sócio-artísticas (educação, medicina, militar, moda etc., propaganda comerciais, políticas, etc., hinos de todos os tipos, etc.). 10

11 A noção de Arte da Música, voltada para a criação abstrata de obras que explorassem os parâmetros musicais, só surgiu no Renascimento europeu e em países como França, Itália, Inglaterra e Alemanha. É claro que encontramos nos padres medievais esta pesquisa ou mesmo na China, na Índia, na Grecia Antiga e entre os árabes, mas o alcance recionalista ocidental foi mais profundo, pois além dos tratados teóricos, desenvolveuse toda uma grafia uniforme e precisa para registrar os sons com dói propósitos: fixação para execução, documentação e estudo e também o desenvolvimento da imprensa musical. Esta música, denominada muitas vezes de Erudita (Clássica ou de Concerto) é um tipo de experimentação que não tem uma utilidade prática e que serve somente para apreciação estética e destinada a um ambiente designado pelo compositor. Assim, Música é a arte da inteligência humana trabalhar com sons e tem por objetivo a expressividade, universalidade, a abstração e a exploração técnica. Elementos da Música A Teoria Musical é tida por muitos como uma coisa chata e difícil, mas quando compreendida torna-se fácil e muito interessante, pois nos fará entender, questionar, definir e escrever o que tocamos ou mesmo cantamos. A teoria musical pode ser lida e estudada em qualquer parte do mundo graças a sua padronização, quando a conhecemos e a dominamos, temos acesso a ilimitadas matérias para estudo. Música é a arte de expressar nossos sentimentos através dos sons e a Teoria é o conjunto de conhecimentos que propõe explicar, elucidar e interpretar o que ocorre nesta atividade prática e é uma importante ferramenta na formação de conceito, metodologia de estudo, maneira de pensar e entender o que fazemos. É a parte científica do estudo da música. É bom saber que a teoria só fará sentido se puder ser aplicada na prática, pois a teoria sem prática é como fé sem obras. Portanto, música, além da ciência dos sons, é Arte e Criatividade, e apesar de todo o conhecimento teórico, o som, princípio básico da existência da música, é gerado pela prática. Enfim, a prática e a teoria devem caminhar juntas. Som Como já disse anteriormente o princípio da música é o som, ele é produzido por movimentos de corpos vibratórios, que transmitem essa vibração para o ar (Ondas sonoras) que chegam aos nossos ouvidos que as interpretam diferenciando suas propriedades como: Intensidade - É a propriedade do som ser fraco ou forte (dinâmica, volume). Altura - É a propriedade do som ser grave, médio ou Agudo. Sons Graves (baixos, mais grossos) Sons Agudos (altos, mais finos) Timbre - É a qualidade e característica particular que nos permite reconhecer sua origem. Exemplo: Podemos observar um cantor interpretando, cantando bem suave ou soltando a voz bem forte, isto é Intensidade. Cantando agudo (fino) como voz de mulher ou baixo (grosso), isto é Altura. Podemos identificar de quem é a voz pelas qualidades e características, isto é reconhecer o seu Timbre. Fundamentos da Música 11

12 Timbres Fundamentos da Música Para os humanos, a audição é normalmente limitada por frequências entre 20 Hz e Hz (20 khz), embora estes limites não sejam absolutos. O limite maior normalmente decresce com a idade. Outras espécies têm diferentes níveis de audição. Por exemplo, os cães conseguem perceber vibrações mais altas que Hz. Como um sinal percebido por um dos sentidos, o som é usado por muitas espécies para detectar o perigo, orientação, caça e comunicação. A atmosfera da Terra, a água e virtualmente todos os fenômenos físicos, como o fogo, a chuva, o vento, as ondas ou os terremotos produzem sons únicos. Muitas espécies, como os sapos, os pássaros, mamíferos terrestres e aquáticos foram, também, desenvolvendo órgãos especiais para produzir som. Em algumas espécies, estes evoluíram para produzir o canto e a fala. Como mencionamos antes, timbres são identidades ou recursos sonoros através dos quais reconhecemos os sons. Sons humanos são reconhecidos por algumas características produzidas por um mecanismo fisiológico específico chamado de aparelho fonador, do qual fazem parte os pulmões, a laringe, a faringe e as cavidades orais e nasais. Os pulmões produzem o vento que passa pela laringe vibrando as pregas vocais na faringe. Esta vibração das pregas vocais é ampliada pelas cavidades orais e nasais espalhando para o mundo a nossa volta a fim de ser percebido. Importante informar que estas partes do aparelho fonador também têm outras funções, diferentes das usadas para a produção dos sons, mas é assunto de outra matéria. Entre os seres humanos essas partes do aparelho fonador são diferentes, por exemplo: um tem o nariz maior, outro menor, já vão ter timbres diferentes apesar de serem humanos. Um tem a cabeça menor e outro maior, já interferem em ter uma laringe menor ou maior o qual vai dar o seu timbre peculiar. O aparelho fonador da menina é diferente dos meninos fisiologicamente bem como em função dos hormônios que terá um som específico próprio. Ou seja, todos temos um som único e original, e esta é a nossa identidade sonora. É o que faz identificarmos as pessoas ao telefone apenas ao ouvir a voz antes de dizer o nome. Identificamos o som dos animais de maneira similar ao dos humanos porque eles possuem aparelho fonador, porém com características e partes diferentes. Por exemplo: o tigre tem um nariz diferente dos seres humanos, portanto vai ter um som diferente dos homens. Entre os tigres existem diferentes tipos de narizes, dentes e línguas que fazem os sons serem similares, mas, ao mesmo tempo, distintos em função do tamanho e parte do aparelho fonador diferente. Já os sons da natureza são produzidos de maneira diferente. Normalmente há um impulso que produz ondas sonoras que são ampliadas para poder ser percebidas. Por exemplo: o vento sopra nas folhas das árvores produzindo um barulho o qual identificamos. Outra, nuvens carregadas se encontram produzindo o trovão que é ampliado e rebatido através dos montes e prédios. Existem vários tipos de sons do cotidiano o qual se ouvirmos atentamente de olhos fechados, perceberemos e identificaremos. Ouviremos os pistões dos carros produzindo o som e ressoando através do cano de descarga entre outras partes do carro. Dependendo do tamanho dos pistões, motores e canos de descarga ouviremos sons mais fortes, suaves, metálicos, agudos e graves. Outra, em restaurantes se observarmos bem podemos perceber os passos do garçon, as moedas sendo pagas no caixa, os talheres e pratos na cozinha, os celulares e as conversas das pessoas, etc... são sons do contidiano. Existem também sons de instrumentos musicais convencionais como por exemplo: o friccionar um arco na corda de metal em uma caixa de ressonância pequena identifi- 12

13 camos o violino, já em uma corda grossa e caixa maior teremos uma viola, maior ainda teremos um violoncelo e contrabaixo acústico. Uma baqueta percutindo um prato de metal, uma pele de nylon esticada e um bumbo já teremos uma bateria. Um dedo tocando uma tecla que aciona um martelinho a percutir uma corda já teremos um piano. Um lábio soprando um orifício de metal que é ampliado por um material cilíndrico teremos um trompete, e por aí vai. Temos mais instrumentos convencionais, porém serão abordados posteriormente, sua característica e uso. O importante é compreender e procurar perceber os timbres dos corpos sonoros que estão ao nosso redor, que dependem do material (partes do aparelho fonador), produção (vento ou energia propulsora) e amplificação (cavidades e espaços). A Música é constituída por três elementos: Ritmo, melodia e Harmonia. Ritmo - Elemento primordial e mais primitivo. É a divisão ordenada do tempo, a pulsação, a batida da música. Exemplo de instrumentos de ritmo: Instrumentos de Percussão (bateria, pandeiro, tamborim, etc.). É o agrupamento de sons, principalmente por meio de duração e ênfase. Tem papel fundamental em muitos aspectos da música: é importante elemento na melodia, afeta a progressão da harmonia e desempenha papéis em questões como textura, timbre e ornamentação. Melodia - É a sucessão de sons (uníssonos) em sequência, repetindo ou variando tempo, altura e intensidade. Exemplo de instrumentos de melodia: Aqueles que tocam apenas uma nota por vez, como instrumentos de sopro (Saxofone, flauta, clarinete, oboé, etc.) e a própria voz humana. Monofonia canto, em grupo ou solo, com ou sem acompanhamento de instrumentos, onde todas as vozes entoam a mesma linha melódica como o Cantochão. Homofonia literalmente, vozes e/ou instrumentos soando juntos. É uma escrita polifônica onde existe uma distinção clara entre melodia e harmonia, em que todas as partes seguem o mesmo ritmo (estilo de acordes). Polifonia termo derivado do grego, que significa vozes múltiplas. Duas ou mais linhas melódicas soam simultaneamente, mas de forma independente no que diz respeito a texto e ritmo, mantendo-se o contraponto. Heterofonia variações simultâneas de uma única melodia. Harmonia - É o conjunto de sons combinados simultaneamente, formando acordes. A Harmonia é a ciência da combinação dos sons. Exemplo de instrumentos de harmonia: Todos aqueles que podem soar sons simultâneos (Piano, Violão, Órgãos, Harpa, etc.) Consonância é a vibração concordante de ondas sonoras de diferentes frequências. Teóricos de diferentes períodos discordam a respeito dos graus de consonância, principalmente porque através da história, a percepção humana foi evoluindo e se alterando. De uma maneira simplificada, consonante será uma harmonia que estabeleça uma sensação de repouso. Dissonância são duas ou mais notas soando juntas que, no sistema harmônico predominante, é instável e precisa ser resolvida em uma consonância. Fundamentos da Música 13

14 Esta é apenas uma introdução com definições básicas e elementares para avançarmos o nosso estudo de música que é uma linguagem que abre portas para um novo mundo o mundo mágico dos sons. Fundamentos da Música 14

15 Recapitulando Som É o princípio da música, é produzido por movimentos de corpos vibratórios e que transmitem essa vibração para o ar. O som tem algumas propriedades importantes. Duração: é o tempo de produção do som. Altura: é a propriedade do som ser mais grave ou mais agudo. O apito de um trem é grave. A sirene de uma ambulância é aguda. Intensidade: é a propriedade do som ser mais forte ou mais fraco. Timbre: é a qualidade do som que permite uma pessoa reconhecer sua origem. A Música é constituída por três elementos: Ritmo ordenação do som no tempo. Melodia - combinação de sons sucessivos. Harmonia combinação de sons simultâneos. Recapitulando 15

16 Debates 1. Na cultura brasileira, é perceptível as competências acima abordadas? Como e em que contextos? 2. Através destes fundamentos lhe dão mais condições de identificar, apreciar e desenvolver a arte musical? Como e porque? Assinale a alternativa correta: 1. Timbre é: a) a combinação de sons simultâneos. b) a combinação de sons sucessivos. c) a identidade do som. d) a ordenação do som no tempo. e) a intensidade do som. 2. Assinale a alternativa correta: Atividades a) A origem da música pode ser estabelecida desde a época de seu aparecimento que foi na pré-história. b) Há vestígios que ficasse gravado os cantos do homem pré-histórico, ficado de concreto muitos indícios que nos revelam a música na era primitiva. c) A música antiga era absolutamente em uníssono, e tomava parte em todos os atos solenes, principalmente nas cerimônias religiosas. d) Na música cristã não encontramos as origens das realizações da arte musical, portanto foram músicas triviais, sem qualquer expressividade, direcionamento retórico e beleza artística. e) Música é a arte de combinar os movimentos em função dos cenários. 3. Melodia é: a) a combinação de sons simultâneos. b) a combinação de sons sucessivos. c) a identidade do som. d) a ordenação do som no tempo. e) a intensidade do som. Atividades 16

17 4. Ritmo é: a) a combinação de sons simultâneos. b) a combinação de sons sucessivos. c) a identidade do som. d) a ordenação do som no tempo. e) a intensidade do som. 5. Assinale a alternativa ERRADA: a) exemplo de sons humanos: uma mulher, soprano cantando. b) exemplo de sons da natureza: trovão. c) exemplo de sons humanos: britadeira em ação na rua. d) exemplo de sons do cotidiano: motor de carro. e) exemplo de instrumentos harmônicos: piano, violão e órgão. 6. Harmonia é: a) a combinação de sons simultâneos. b) a combinação de sons sucessivos. c) a identidade do som. d) a ordenação do som no tempo. e) a intensidade do som. Gabarito: 1. c / 2. c / 3. b / 4. d / 5. c / 6. a Atividades 17

18 Referências Bibliográficas ANDRADE, Mário de. Dicionário musical brasileiro. Editora Itatiaia; Belo Horizonte; 1989 e Pequena história da música; Livraria Martins Editora; s/d ANTUNES, Jorge. Notação na música contemporânea. Sistrum Edições Musicais; Brasília; ARRAUD, Henry. Para compreender as músicas de hoje. Editora Perspectiva; São Paulo; s/d. BENNETT, Roy. Uma Breve História da Música. Rio de Janeiro, Ministério da Educação e Cultura, BRUM, P. C. F. Fundamentação Bíblica para a Proclamação do Evangelho através da Música. Monografia de Teologia para o Seminário Concórdia de São Leopoldo, RS, CARPEAUX, Otto Maria. Uma nova história da música. 3a. ed.; Editorial Alhambra, Rio de Janeiro; 1977 DAMIÃO, Romero. Teoria Musical Uma abordagem pedagógica FLORES, Atos. Fundamentos Musicais. Caderno de Apoio Didático Curso Tecnológico em Dança. ULBRA, GROUT, Donald J. A history of western music. 3rd. ed.; W.W. Norton & Co.; New York; 1980 KIEFER, Bruno. História da música brasileira dos primórdios ao início do século 20. 2a. ed.; Editora Movimento; Porto Alegre; 1977 e História e significado das formas musicais; 4a. ed.; Editora Movimento; Porto Alegre; LOVERLOCK, William. História Concisa da Música. São Paulo, Martins Fontes, LACERDA, Osvaldo. Teoria elementar da música. 4a. ed.; Musicália; São Paulo; s/d. MORAES, J. J. de. Música da modernidade origens da música do nosso tempo. Editora Brasiliense; São Paulo; 1983 e O que é música; Editora Brasiliense; São Paulo; SADIE. Stanley (ed.). The Norton/Grove Concise Encyclopedia of Music. W. W. Norton & Company; New York; Referências Bibliográficas 18

19 EDUCAÇÃO MUSICAL Capitulo 2 Notação Musical Paulo Cesar Fernandes Brum A partir dos fundamentos da música trabalhados no capítulo anterior, queremos agora iniciar noções de escrita musical. Pauta Musical ou Pentagrama Para escrever música é necessário uma Pauta Musical ou Pentagrama que é a estrutura usada para a notação musical, constituída pelo conjunto de cinco linhas paralelas e equidistantes formando entre si quatro espaços. As linhas e espaços são contados de baixo para cima os quais escreveremos as notas dos sons musicais. Também existem as Linhas e Espaços Suplementares, pois apenas a Pauta Musical ou pentagrama não são suficientes para anotar todos os sons nas várias alturas, por isso usamos linhas e espaços adicionais. As linhas suplementares só aparecem quando necessário. 19

20 Alturas (Agudo e Grave) Notas são as anotações dos sons por meio de pequenos círculos (bolinhas) escritas na Pauta. Os nomes das notas são: Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, Lá, Si. As notas se organizam em ordem gradual de altura (Escala), tanto na ordem ascendente ou descendente. Ordem ascendente - subindo - ficando mais agudo (alto). Ordem descendente - descendo - ficando mais grave (baixo). As notas vão se repetindo em alturas diferentes por toda a extensão da escala do instrumento. Origens e Evolução da Música Tom, Semitom e Sinais de Alteração O intervalo ou distância entre dois sons é medida em Tons. No nosso padrão de música o Semitom é o menor intervalo entre dois sons e portanto um Tom é o intervalo formado por dois semitons. Uma maneira fácil de visualizar o nosso sistema de notas musicais é através do teclado do piano, onde as teclas brancas são as notas naturais (Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, Lá e Si que vão se repetindo em alturas diferentes como vimos anteriormente) e as teclas pretas correspondem as notas alteradas que possuem os mesmos nomes acrescidos do Sinal de Alteração. O intervalo entre as notas, seguindo a escala (todas as teclas brancas e pretas), será de um semitom. No violão ou outros instrumentos de cordas dedilhadas que possuem trastes (aqueles ferrinhos que dividem as casas no braço do instrumento), cada casa equivale a um Semitom. Sinais de Alteração Os sinais de alteração servem para modificar a entoação das notas naturais (representadas pelas teclas brancas do piano), podendo ser elevadas ou abaixadas (saltando para as teclas pretas do piano que representam as notas alteradas). Notação Musical 20

21 Na notação musical (pauta), os sinais de alteração são colocados antes da nota e na nossa escrita comum ou cifragem os sinais de alteração são colocados depois do nome da nota. Veja exemplo abaixo: Tonalidade e Escalas - Definições Dó# e Sib Iremos abordar definições básicas sobre escalas e tonalidades que futuramente poderá ser estudado. Tonalidade Tonalidade é o fenômeno harmônico e melódico que regem a formação das escalas, é o conjunto de sons que relacionam com uma nota tônica. A Tônica é a nota de resolução principal na escala, sendo o centro tonal e melódico da tonalidade. A Tônica é a primeira nota da escala (Primeiro grau), a qual dá o nome à escala. Escala, como vimos, é o conjunto de notas organizadas em ordem gradual de altura ascendente ou descendeste. Existem muitos tipos de escalas usadas na nossa música tais como: Exóticas, Bebop, Simétricas, Pentatônicas, Hexatônias, Blues, etc. Entre muitas outras existentes em outras culturas musicais. As principais escalas e bases para o nosso estudo de tonalidade são as Diatônicas e Cromáticas. Escala Cromática A escala cromática é composta por intervalos de semitons, ou seja de meio em meio tom (como vimos na aula anterior), podendo ser temperada (em instrumentos de afinação no sistema temperado) ou harmônica (em instrumentos de som não fixos). Escala Diatônica A Escala Diatônica é composta por intervalos de tons e semitons diatônicos. É a escala da tonalidade, por exemplo a escala diatônica de Dó maior é a escala no tom de Dó maior. É mais comum ser chamada apenas de escala maior (Tonalidade Maior) ou escala menor (Tonalidade Menor). As Escalas Diatônicas podem ser: Maior, Menor (primitiva), Menor Harmônica e Menor Melódica. Escalas Relativas As Escalas Relativas são aquelas que possuem o mesmo conjunto de notas. Sempre uma maior será relativa de uma menor e vice-versa. Por exemplo: Dó maior é relativo de Lá menor e Lá menor é relativo de Dó Maior, porque estas duas escalas possuem as mesmas notas. Notação Musical 21

22 Notação Musical 22 Exemplo: Notas da escala de Dó Maior: Dó Ré Mi Fá Sol Lá Si Notas da escala de Lá Menor: Lá Si Dó Ré Mi Fá Sol Veja abaixo as escalas relativas: Dó Maior - Lá Menor Réb Maior - Si b Menor Ré Maior - Si Menor Mib Maior - Dó Menor Mi Maior - Do# Menor Fá Maior - Ré Menor Solb Maior - Mib Menor Sol Maior - Mi Menor Láb Maior - Fá Menor Lá Maior - Fá# Menor Sib Maior - Sol Menor Si Maior - Sol# Menor Escalas Homônimas Escalas Homônimas são aquelas que possuem o mesmo nome, ou seja, possuem a mesma tônica. Exemplo: Dó Maior é homônima de Dó Menor Escalas Enarmônicas Escalas Enarmônicas são aquelas que possuem o mesmo som, mas com notação diferente. Exemplo: Escala de Fá# Maior: Fá # - Sol # - Lá # - Si - Dó # - Ré # - Mi # Escala de Solb Maior: Sol b - Lá b - Si b - Dó b - Ré b - Mi b - Fá Escala Maior I Quando falamos em escala maior ou menor (ou modo menor ou modo maior) referimos as escalas diatônicas. São elas que, na música ocidental, definem a tonalidade (sistema em que as notas predominantes numa música pertencem a uma escala maior ou uma menor e por isso tonalidade maior ou menor). A nota tônica dará o nome a tonalidade. Padrão da Escala Maior A escala maior possui o seguinte padrão interválico entre suas notas na ordem ascendente: Tom, Tom, Semitom, Tom, Tom, Tom, Semitom. Nesta série o ultimo som será a repetição do primeiro com a diferença de uma oitava acima. Exemplo: Escala de Dó Maior A escala de Dó maior é tida como o modelo padrão, por conter em sua formação apenas notas naturais, ou seja, que não apresentam alteração (# ou b) em sua formação.

23 Intervalos Intervalos Menores, Aumentados e Diminutos Como vimos na aula anterior os intervalos da escala maior são maiores e justos (T, 2M, 3M, 4j, 5j, 6M, 7M e 8j), mas podemos alterar para cima ou para baixo qualquer um deles, obtendo os intervalos menores, aumentados e diminutos de acordo com as regras abaixo: Lembremos também que o número do intervalo equivale ao nome da nota de acordo com a sua ordem da escala partindo da tônica. Intervalos Menores Todo intervalo maior alterado meio tom abaixo fica menor. Exemplo: Considerando a tonalidade de Dó Maior: Ré = 2M (segunda Maior) Mi = 3M (terça maior) La = 6M (sexta maior) Si = 7M (sétima maior) Réb = 2m (segunda menor) Mib = 3m (terça menor) Láb = 6m (sexta menor) Sib = 7m (sétima menor) Nos intervalos compostos (aqueles maiores que oitavas) seguimos a mesma regra. Exemplos: Ré = 9M (nona maior) Mi = 10M (décima maior) La = 6M (décima terceira maior) Réb = 9m (nona menor) Mib = 3m (décima menor) Láb = 6m (décima terceira menor) Intervalos Aumentados e Diminutos Todos os intervalos podem ser aumentado ou diminuto observando as seguintes regras: 1. Os intervalos justos (4j, 5j e seus compostos 11j e 12j) meio tom abaixo ficam diminutos e meio tom acima ficam aumentados. Exemplos: Considerando a tonalidade de Dó Maior: Fá = 4j (quarta justa) e 11j (décima primeira justa) Sol = 5j (quinta justa) e 12j (décima segunda justa) Fáb = 4dim (quarta diminuta) e 11j (décima primeira diminuta) Solb = 5dim (quinta diminuta) e 12j (décima segunda diminuta) Fá# = 4aum (quarta aumentada) e 11aum (décima primeira justa) Sol# = 5aum (quinta aumentada) e 12aum (décima segunda aumentada) Notação Musical 23

24 2. Os intervalos maiores meio tom acima ficam aumentados. Exemplos: Considerando a tonalidade de Dó Maior: Ré = 2M (segunda maior) e 9M (nona maior) Mi = 3M (terça maior) e 10M (décima maior) La = 6M (décima terceira maior) e 13M (décima terceira maior) Ré# = 2aum (segunda aumentada) e 9aum (nona aumentada) Mi# = 3aum (terça aumentada) e 10aum (décima aumentada) La# = 6aum (décima terceira aumentada) e 13aum (décima terceira aumentada) 3. Os intervalos menores meio tom abaixo ficam diminutos. Exemplos: Considerando a tonalidade de Dó Maior: Sib = 7m (sétima menor) Sibb = 7dim (sétima diminuta) Resumindo, a cada alteração de meio tom teremos os seguintes tipos de intervalos: Diminuto Justo Aumentado Diminuto Menor Maior Aumentado Duração (Longo e Curto) O tempo na música é organizado através do Ritmo, com durações variáveis que dividem a música em padrões de sons e silêncios. Na nossa música, a ocidental, o Ritmo é o elemento primordial. Ele faz com que todos pensem na mesma forma, organizando as acentuações para a sincronia dos músicos. O tempo na música é tão importante que merece uma área de estudo exclusivo que é a Rítmica. O Ritmo é um elemento físico da música que põe todos na mesma sintonia e movimento. Sua unidade é o Pulso. A Pulsação é a ocorrência regular do ritmo no tempo um após outro, é a batida em intervalos determinados e constantes. 1 Pulsação = 1 Tempo = 1 Beat (em inglês) A velocidade da pulsação pode variar de música para música, umas são lentas outras mais rápidas. Essa velocidade é chamada de Andamento, que é medido em batidas por minuto. Para determinar o andamento de uma música usamos um aparelho chamado Metrônomo. Ajustamos nele a velocidade em que queremos a pulsação (a batida). O uso do Metrônomo é indispensável no estudo rítmico, pois aprendemos a ser constantes no ritmo. Há vários modelos de metrônomos, desde os mecânicos aos eletrônicos de quartzo. Notação Musical Andamentos Diz respeito à velocidade com que a música é executada. É importante que você conheça os andamentos, pois são uma forma já padronizada. 24

25 Lentos Grave Largo Larghetto Lento Adágio o mais lento pouco mais rápido que o largo Moderados Andante Andantino Moderato Rápidos Allegro Allegretto Vivace Vivo Presto Prestíssimo rápido o mais rápido Na Música Clássica é dado nome aos andamentos conforme tabela abaixo: Andamento Pulsações por minuto para o ajuste do Metrônomo Largo Menos de 60 Larghetto Entre 60 a 65 Adagio Entre 66 a 75 Andante Entre 76 a 105 Moderato Entre 106 a 119 Allegro Entre 120 a 170 Presto Entre 171 a 199 Prestissimo Acima de 200 Para representar graficamente a duração do tempo dos sons (notas) ou silêncios (pausas) na música usamos sinais chamados Figuras ou Valores. Notação Musical 25

26 As figuras são classificadas em dois tipos: positivas - representam som (notas) e negativas - representam a interrupção do som (pausas). As figuras não possuem um valor (tempo) fixo, mas são proporcionais entre si. Veja como é a subdivisão proporcional entre as figuras: Número Representativo ou Símbolo Numérico das Figuras O Número Representativo equivale a proporção das figuras em relação a semibreve, tomada como unidade de valor das outras figuras. O Número Representativo será sempre o mesmo e servirá de símbolo da figura. Atenção: o Número Representativo não é o tempo. Substituição de Colchetes por Barras Para facilitar a visualização e leitura, podemos substituir os colchetes por barras quando colcheias, semicolcheias, fusas e semifusas aparecem seguidamente. Exemplos: Notação Musical 26

27 Dinâmica ou intensidade (Forte e Fraco) É a graduada intensidade sonora empregada na execução musical. Os sinais devem indicar a força com que se deve interpretar uma peça: Pianíssimo pp Muito suave, fraquíssimo Piano p Suave, fraco Mezzo Forte mf Meio forte Forte f Forte Fortíssimo ff Fortíssimo Fermata Sinal em forma de coroa que indica a suspensão (ou duração indeterminada) da pulsação rítmica de uma determinada nota ou pausa; Sinal colocado sobre ou sob uma nota, fazendo com que se prolongue o som mais do que o tempo estabelecido. Como a fermata não indica o tempo do prolongamento do som, a execução fica por conta do intérprete. Entretanto, palavras como longa ou curta podem ser colocadas sobre a fermata, sinalizando maior ou menor sustentação do som. A fermata sobre uma pausa é chamada de Suspensão. Ligadura de Valor Ligadura é uma linha curva que une duas ou mais notas de mesma altura, somando seus valores, ou seja, executa-se apenas a primeira nota prolongando-se de um valor para outro, podendo assim com esta soma, representar qualquer duração de tempo de uma nota necessária numa música. Exemplos: Usamos a ligadura apenas em figuras positivas. Notação Musical 27

28 Ponto de Aumento Ponto de Aumento é um ponto colocado à direita da figura (positiva ou negativa) para aumentar a metade de seu valor. No caso de haver um ponto duplo será acrescentada a metade mais a quarta parte. Exemplos: Propriedades Divisíveis das Figuras Para podermos compreender melhor a relação proporcional das figuras devemos entender como elas se dividem. 1. Todas as figuras simples, ou seja, sem ponto de aumento, são divisíveis por Todas as figuras com um ponto de aumento são divisíveis por 3, resultando em figuras simples. 3. Todas as figuras com um ponto de aumento quando divisíveis por 2 resultarão em duas figuras pontuadas também. Notação Musical 28

29 Claves As notas são escritas nas linhas e espaços. Para convencionar o posicionamento delas na pauta usamos um sinal chamado Clave que se coloca no princípio da pauta. Existe Três tipos de claves: Clave de Sol A Clave de Sol nos determina que a nota sol está na segunda linha da pauta, portanto podemos definir o posicionamento de todas as outras notas, que estão dispostas em ordem, como vimos acima, sendo escritas nas linhas e espaços. A Clave de Sol é usada para os sons agudos. Sons de instrumentos anotados na Clave de Sol: violino, trompete, saxofone alto, flauta, oboé, clarinete, cavaquinho, violão, etc. Clave de Fá A Clave de Fá determina a localização da nota Fá, anotada na quarta ou terceira linha, sendo a primeira a mais usada. Observe que quando mudamos a clave mudamos o posicionamento das notas na pauta. A Clave de Fá é usada para sons graves. Sons de instrumentos anotados na clave de Fá: contrabaixo, sax tenor, trombone, violoncelo, tuba, fagote, etc. Para se anotar os sons do piano é necessário o uso de duas claves. Veja exemplo abaixo, usando a Clave de Fá abaixo para os sons graves (das teclas da esquerda) e acima a Clave de Sol para os sons agudos (das teclas da direita), tendo entre elas apenas uma linha suplementar que anota-se o Dó central: Clave de Dó Notação Musical 29

30 A Clave de Dó determina a localização da nota Dó, anotada na primeira, segunda, terceira e quarta linha. A mais usada é na terceira linha. A Clave de Dó é usada para sons médios. A Clave de Dó é de pouco uso. Anota-se nesta clave o som da viola. Apesar de algumas pessoas acharem que a clave de sol se parece com uma letra s invertida, ela é uma evolução da letra G, que representa também a nota sol, assim como a de Fá a letra F e a de Dó a letra C. Atividade Prática: Procure anotar no caderno de música (caderno pautado) a disposição das notas em cada tipo de clave. Para uma boa leitura das notas é necessário que se pratique bastante a ponto de decorar a posição das notas na pauta e a sua localização no instrumento. O Solfejo 3 é o principal exercício de prática. As notas são escritas nas linhas e espaços. Para convencionar o posicionamento delas na pauta usamos um sinal chamado Clave que se coloca no princípio da pauta. Compasso Na música ocidental a forma em que contamos e dividimos o tempo é feita através do Compasso. Compasso é a divisão da música em séries regulares de tempo. Essas séries, ou seja, Compassos, podem ser de 2 tempos, 3 tempos, 4 tempos, 5 tempos, 7 tempos, 11 tempos, etc., mas os mais usados são: de 2 tempos - Chamado de Compasso Binário de 3 tempos - Chamado de Compasso Ternário de 4 tempos - Chamado de Compasso Quaternário Como vimos anteriormente contamos o tempo na música através da pulsação que é constante. O Compasso é identificado em uma determinada música pela pulsação dos tempos fracos e fortes. Veja abaixo como é a pulsação nos principais compassos: Compasso Binário - 2 Tempos Compasso Ternário - 3 Tempos Notação Musical 30 3 Solfejo - leitura musical por notas, por vocalização ou por sílabas sem nexo, para se apreender a melodia. it. solfeggio (1761) série de notas musicais escritas e entoadas em compasso e ritmo definidos, der. do it. solfa nota musical escrita ou entoada ; ver 2sol. (Dicionário Eletrônico Houaiss, 2001).

31 Compasso Quaternário - 4 Tempos Como vimos acima o início de cada compasso se dará no tempo forte, que será o primeiro tempo. Desta maneira podemos identificar qual é o compasso de uma determinada música. Para isso devemos identificar o pulso e onde está o tempo forte, que será o início de cada compasso. A cada série de pulsações até a repetição novamente do tempo forte teremos um compasso e o número de pulsações contidas nesta série, será o número de tempo de cada compasso. Veja exemplos abaixo: Obs.: Os traços representam a pulsação constante e os números os tempos do compasso. É importante saber que as músicas nem sempre começam no tempo forte, podem começar antes ou mesmo depois do primeiro tempo, por isso é importante identificar onde está a acentuação e lá será o primeiro tempo do compasso como vimos no exemplo acima da música Parabéns. Atividade Prática: Procure ouvir músicas identificando o seu compasso, treine a sua percepção rítmica, localizando onde está cada pulsação e os tempos fortes. Referências Bibliográficas 31

32 Representação do compasso O Compasso é representado através de números em forma de fração que aparecem no início da música. Exemplo: Para podermos entender a representação do compasso é necessário lembrarmos dos Números Representativos ou Símbolos Numéricos: Lembre-se que o Número Representativo não é o Tempo das figuras é apenas a proporção delas em relação à semibreve e que este número servirá de símbolo na representação do compasso, por isso também recebe o nome de Símbolo Numérico. Fórmula da Representação do Compasso O símbolo da representação do compasso é o resultado matemático da multiplicação do número de tempos do compasso com o número representativo da figura que será a Unidade de tempo 4. Quando indicamos na representação do compasso o número representativo de uma figura estamos determinando que ela valerá um (1) tempo, por isso a chamamos de unidade de tempo. Compassos Simples e Compassos compostos Compasso Simples é aquele em que a figura indicada à valer um tempo (unidade de tempo) for uma figura simples, ou seja, não pontuada. Todas as figuras simples são divisíveis por 2. Exemplo: Notação Musical 32 4 Unidade de tempo é a figura indicada na representação do compasso através de seu número representativo que valerá 1 tempo.

33 Neste compasso binário (de dois tempos) a semínima valerá um (1) tempo e assim proporcionalmente podemos calcular o tempo das outras figuras em relação a ela. Compasso composto é aquele em que a figura indicada a valer um (1) tempo (unidade de tempo) for uma figura com um ponto de aumento. As figuras com um ponto de aumento são divisíveis por 3. Exemplo: Neste compasso ternário (de três tempos) a semínima pontuada valerá um (1) tempo, por isso este compasso é composto. Veja abaixo o tempo das figuras em relação a semínima pontuada como a unidade de tempo. A Simbologia dos Acordes (Cifras) Cifra é o termo mais comum da simbologia internacionalmente usada que representa a nomenclatura dos acordes. Esta simbologia é feita através de letras números e sinais. O processo de cifragem dos acordes é baseado nas letras maiúsculas que representa o nome das notas em inglês (A=Lá, B=Si, C=Dó, D=Ré, E=Mi, F=Fá e G=Sol), seguido de um complemento representado por sinais, letras ou números, que indicará a estrutura do acorde como: intervalos formado entre a nota fundamental e cada uma das outras notas e se o acorde é fundamental ou invertido. A letra maiúscula inicial indica a nota fundamental, a partir de onde o acorde será construído, ou seja, a sua nota tônica, que também será a nota mais grave. Quando esta nota for alterada, o sinal de alteração deve aparecer logo ao seu lado direito (Ex.: A#, Bb). O processo inicial de cifragem é baseado nas estruturas das tríades. - A letra maiúscula sozinha, ou seja, sem o complemento representa a tríade maior (T 3M 5j). Ex.: A = Lá Maior / F# = Fá Sustenido Maior - A letra maiúscula seguida do complemento m (minúsculo), representa a tríade menor (T 3m 5j). Ex.: Am = Lá Menor / Bbm = Si Bemol Menor - A Letra maiúscula seguida dos sinais dim ou, representa a tríade diminuta (T 3m 5dim). Notação Musical 33

34 Ex.: Cdim ou C = Dó Diminuta / Dbdim ou Db = Ré Bemol Diminuta - A Letra maiúscula seguida do sinal +, aum, ou #5, representa a tríade aumentada (T 3M #5). Ex.: E+ ou Eaum ou E(#5) = Mi Aumentado / C#+ ou C#aum ou C#(#5) = Dó Sustenido Aumentado Os exemplos que vimos acima é a representação das tríades em sua formação fundamantal, ou seja, com a sua tônica no baixo. Para representarmos que a nota mais grave não será a tônica usamos colocar uma barra após a cifra do acorde e indicamos que nota será o baixo do acorde. Exemplos: C/E = Dó Maior com baixo e Mi F#m/C# = Fá Sustenido Menor com baixo e Dó sustenido G+/D# = Sol Aumentada com baixo em Ré Sustenido Notação Musical 34