Ferreira Gullar. 1ª Edição São Paulo SP Brasil

Transcrição

1

2 Ferreira Gullar 1ª Edição 2011 São Paulo SP Brasil 2 3

3 Homenagem 2 /An Homage 2 / Flavio Cohn 6/7 Sumário Texto / Text / Ferreira Gullar 8/9 Indíce de artistas / obras e biografias Index of Artists / Works and Biographies

4 Homenagem 2 Flávio Cohn Quem criou o quadrado? Será que o quadrado surgiu na história da humanidade como resultado da intenção do homem de organizar e suplantar a força orgânica da natureza? Na história a arte, Malevitch, Mondrian e Albers, foram os grandes propulsores do quadrado como expressão artística pura e essencial. Na natureza não encontramos o quadrado, na sua forma pura, mas esta forma que é universal e atemporal está presente em todas as civilizações, desde as antigas até a contemporânea e faz parte de quase tudo em nossas vidas. Escolhi então o quadrado, como tema para organizar esta exposição com obras de artistas que criaram a partir de, e, com a forma do quadrado. Cada artista, dentre estes aqui selecionados, busca transformar o quadrado em uma forma única, própria e individual. Essa tarefa é, por si só, tão árdua quanto a própria criação do quadrado, porém é exatamente essa dificuldade que traz sentido ao desafio de ser artista e à missão de criar e de tentar superar-se e ao que já foi criado antes. Poderemos observar e acompanhar nesta exposição obras que expressam essa busca individual e coletiva, cujos destacados artistas nos apresentam e propõem, uma homenagem ao quadrado. An Homage 2 Flávio Cohn Who created the square? Could it be that the square arose in the history of humankind as a result of man s intention to organize and supplant the organic power of nature? In the history of art, Malevitch, Mondrian and Albers were key proponents of the square as a pure and essential artistic expression. We do not find the square in nature, in its pure form, but this universal and timeless form is present in all the civilizations, from ancient times up to our days, and is part of all our lives. I therefore chose the square as the theme for organizing this exhibition with works by artists who create based on, and with, the form of the square. Each of the artists selected here seeks to transform the square into a unique and individual form. This task in itself is as arduous as the very creation of the square, but it is precisely this difficulty that imparts meaning to the challenge of being an artist, and to the mission of creating and striving to surpass oneself and what has been created previously. In this exhibition we can observe and accompany works that express this individual and collective search, whose outstanding artists present and propose to us an homage to the square. 6 7

5 Ferreira Gullar O quadrado surge na pintura moderna, como elemento temático, em conseqüência do abandono, pelos artistas, da linguagem figurativa. Esse abandono, de fato, não se deu como um simples salto para transpor a fronteira entre a figuração e a abstração. Na verdade, ainda que abrupta, a mudança cumpriu algumas etapas, que começaram com Cézanne e culminaram com o Cubismo de Picasso e Braque. Embora nenhum deles tenha adotado a linguagem abstrata, abriram o caminho para ela ao geometrizarem as formas naturais, cubificando-as, para usar a expressão de Matisse, que deu origem ao nome daquele movimento artístico. O salto qualitativo foi dado por Mondrian que, ao conhecer as experiências cubistas, iniciou uma espécie de desmaterialização da linguagem figurativa até chegar às construções geométricas puras, que definiu como Neoplasticismo. Em seus quadros daquela época, nos quais preponderam os ritmos estruturais da vertical e da horizontal, o quadrado e o retângulo são as únicas formas que constituem sua pintura. Por outro lado, o russo Malévitch, partindo do Cubismo e do Futurismo, também caminhou para a linguagem abstrata, sem no entanto ater-se a construções preponderantemente ortogonais; pelo contrário, explorou o dinamismo de formas que se contrapõem e se justapõem nas composições que inventava. Mas há um momento em que a sua busca formal parece necessitar de algo essencial: é quando pinta uma tela intitulada Quadrado negro sobre fundo branco. Este é, ao que tudo indica, o momento crítico de sua experiência pictórica, que o levará a trocar as composições sobre o suporte bidimensional da tela, pelas construções suprematistas, no espaço tridimensional. A opção dos artistas pela linguagem abstrata, ao mesmo tempo que os liberta da referência ao mundo real e lhes oferece ampla liberdade para compor seus quadros, põe em questão a validade de uma tal linguagem: trata-se de algo necessário ou de composições arbitrárias meramente decorativas? Esses e outros questionamentos terão possivelmente conduzido alguns pintores a buscar um fator essencial para a expressão geométrica. O quadrado parece ter se tornado, para alguns deles, esse elemento irredutível, talvez porque sua forma regular e absolutamente simétrica o torne, ao mesmo tempo, essencial e neutro. Tal vez tenha sido essa a razão por que também, mais tarde, Josef Albers o escolheu como tema de uma célebre série intitulada Homenagem ao quadrado. Essa minha observação talvez não seja tão despropositada, como poderá parece, se se leva em conta que, naquela série, o fundamental não é a forma (o quadrado) mas a cor. Arrisco imaginar que, por ter na exploração da cor o propósito daquela série de telas, o quadrado tenha sido usado como a forma possível que a cor assume, uma vez que ela, por si, não tem forma. Enfim, o que pretendo dizer é que, mais uma vez, afirma-se, na linguagem abstrata da pintura, a essencialidade do quadrado: por desejar mostrar a cor como fenômeno ótico-pictórico, sem ênfase que lhe alterasse a verdade, Albers se vale do quadrado que, por ser apenas regularidade e equilíbrio, é o suporte ideal para a cor que quer apenas ser cor. Ferreira Gullar The square arose in modern painting as a thematic element, in consequence of the artists abandonment of the figurative language. This abandonment did not take place in a single leap across the border between figuration and abstraction. Actually, even though abrupt, the change involved several steps, which began with Cézanne and culminated with the cubism of Picasso and Braque. Although none of them adopted the abstract language, they opened the way to it by geometricizing the natural forms, cubifying them, to borrow an expression from Matisse, who coined the name for that artistic movement. The qualitative leap was taken by Mondrian, who, taking the cubist experiments further, began a sort of dematerialization of the figurative language to arrive at pure geometric constructions, which he defined as neoplasticism. In his works from that time, in which the vertical or horizontal structural rhythms predominate, the square and the rectangle are the only forms that constitute his painting. On the other hand, the Russian artist Malevich began at cubism and futurism to take another path into the abstract, without resorting to preponderantly orthogonal constructions; on the contrary, he explored the dynamism of forms that are counterposed and juxtaposed in the compositions he invented. But there is a moment at which his formal search seems to require something essential: this is when he painted a canvas entitled Black Square on White. By all indications, this was the critical moment of his pictorial experiment, which brought him to substitute the compositions on the two-dimensional support of the canvas by suprematist constructions, in three-dimensional space. While their use of the abstract language freed the artists from references to the real world and offered them a great deal of freedom in composing their paintings, it brought the validity of such a language into question: were these works necessary, or were they merely arbitrary, decorative compositions? These and other questions are what perhaps led some painters to search for an essential factor for geometric expression. For some of them, it seems that the square became this irreducible element, perhaps because its regular and absolutely symmetrical form makes it simultaneously essential and neutral. This may have been the reason why, at a later date, Josef Albers chose it as the theme of a celebrated series entitled Homage to the Square. This observation of mine is perhaps not so far afield as it may appear, if one considers that, in that series, the fundamental thing is not the form (the square) but rather the color. I dare to imagine that insofar as that series of works was aimed at the exploration of color, the square was used as a possible form for the color to assume, since in and of itself it is formless. In short, what I mean to say is that, once again, the essentiality of the square was affirmed in the abstract language of painting: for wishing to show color as an optico-pictorial phenomenon, and without any emphasis that would alter its truth, Albers resorted to the square which, for being nothing more than regularity and balance, is the ideal support for the color that wants only to be color. 8 9

6 bios/info obra artistas/artists obras/works bios/works info Indíce de artistas / Obras /Biografias/ Informações das obras Index of Artists / Works/ Biographies/ Works Info Josef Albers 12/13 83 Max Bill 14/15 90 Franz Weissmann 16/17 78 Lothar Charoux 18/19 86 Hércules Barsotti 20/21 80 Amilcar de Castro 22/23 72 Hermelindo Fiaminghi 24/25 81 León Ferrari 26/27 85 Lygia Clark 28/29 88 Carlos Cruz-Diez 30/31 74 Jesus Rafael-Soto 32/33 82 Geraldo de Barros 34/35 79 Luiz Sacilotto 36/37 87 Almir Mavignier 38/39 70 Dionísio Del Santo 40/41 76 Ferreira Gullar 42/51 77 Amelia Toledo 52/53 71 Willys de Castro 54/55 91 Alexandre Wollner 56/57 69 César Parternosto 58/59 75 Ascânio MMM 60/61 73 Adolfo Estrada 62/63 68 Mapacarana 64/65 89 Laura Miranda 66/

7 JOSEF ALBERS Bottrop, Alemanha, New Haven, Connecticut, EUA, 1976 Bottrop, Germany, 1888 New Haven, Connecticut, USA, 1976 Study for Homage to the Square: Respected, 1964 Homage to the Square: Terrestrial I,

8 MAX BILL Winterthur, Suíça, Berlim, Alemanha, 1994 Winterthur, Swiss, Berlin, Germany, 1994 s.t / untitled,

9 FRANZ WEISSMANN Knittefeld, Áustria, Rio de Janeiro, RJ, 2005 Knittefeld, Austria, Rio de Janeiro, RJ, Brazil, 2005 Nozinho, s.d. / undated s.t. / untitled,

10 LOTHAR CHAROUX Viena, Áustria, São Paulo, SP, 1987 Vienna, Austria, Sao Paulo, SP, Brazil, 1987 Composição, 1958 s.t. / untitled, déc

11 HÉRCULES BARSOTTI São Paulo, SP, São Paulo, SP, 2010 São Paulo, SP, Brazil, São Paulo, SP, Brazil, 2010 Composição na diagonal,

12 AMILCAR DE CASTRO Paraisópolis, MG, Belo Horizonte, MG, 2002 Paraisópolis, MG, Brazil, Belo Horizonte, MG, Brazil, 2002 s.t. / untitled, s.d. / undated 22 23

13 HERMELINDO FIAMINGHI São Paulo, SP, São Paulo, SP, 2004 São Paulo, SP, Brazil, São Paulo, SP, Brazil, 2004 Retícula Corluz 2,

14 LEÓN FERRARI Buenos Aires, Argentina, 1920 Buenos Aires, Argentina, 1920 s.t. / untitled, s.d. / undated 26 27

15 LYGIA CLARK Belo Horizonte, MG, Rio de Janeiro, RJ, Brasil, 1988 Espaço modulado - versão única nº 85, 1958/ 58 Espaço modulado - nº 6, 1958/

16 CARLOS CRUZ-DIEZ Caracas, Venezuela, 1923 Caracas, Venezuela, 1923 Physichromie nº 1545,

17 JESÚS RAFAEL SOTO Ciudad Bolívar, Venezuela, Paris, França, 2005 Ciudad Bolívar, Venezuela, Paris, France, 2005 Color a la derecha,

18 GERALDO DE BARROS Xavantes, SP, São Paulo, SP, 1998 Xavantes, SP, Brazil, São Paulo, SP, Brazil, 1998 Composição em branco, 1983 Composição em branco com quadrado preto,

19 LUIZ SACILOTTO Santo André, SP, São Paulo, SP, 2003 Santo André, SP, Brazil, São Paulo, SP, Brazil, 2003 nº 962, s.d. / undated nº 0389,

20 ALMIR MAVIGNIER Rio de Janeiro, RJ, 1925 Rio de Janeiro, RJ, Brazil, 1925 Amarelo,

21 DIONÍSIO DEL SANTO Colatina, ES, Vitória, ES, 1999 Colatina, ES, Brazil, Vitória, ES, Brazil, 1999 s.t. / untitled, 1982 nº 3014, 1/1,

22 FERREIRA GULLAR São Luís, MA, 1930 São Luís, MA, Brazil, Poemas Espaciais 1. Ara 2. Noite 3. Onde 4. Quando 5. Não 6. Lembra 7. Pássaros 8. Era 9. Maravilha

23 AMELIA TOLEDO São Paulo, SP, 1926 São Paulo, SP, Brazil, 1926 s.t. / untitled III,

24 WILLYS DE CASTRO Uberlândia, MG, São Paulo, SP, 1988 Uberlandia, MG, Brazil, São Paulo, SP, Brazil, 1988 Variar as cores,

25 ALEXANDRE WOLLNER São Paulo, SP, 1928 São Paulo, SP, Brazil, 1928 Constelação a1, 2010 Constelação a2,

26 CÉSAR PARTERNOSTO La Plata, Argentina, 1931 La Plata, Argentina, 1931 Acorde Mínimo: Rojo/Negro, 2010 s.t./ untitled, s.d / undated 58 59

27 ASCÂNIO MMM Fão, Portugal, 1941 Fão, Portugal, 1941 Caixa 1, 1968 Quadrados 19, Tir. 1/5,

28 ADOLFO ESTRADA Buenos Aires, Argentina, 1942 Buenos Aires, Argentina, 1942 s.t. / untitled, 2011 s.t. / untitled,

29 MACAPARANA Macaparana, PE, 1952 Macaparana, PE, Brazil, 1952 Composição livre para Glenn Gould, set-out / sept-oct, 2009 Mapa 2, fevereiro/ february,

30 LAURA MIRANDA Curitiba, PR, 1958 Curitiba, PR, Brasil, 1958 A céu aberto IV, 2009 Lençol de chumbo perfurado,

31 Adolfo Estrada Buenos Aires, Argentina, 1942 s.t./ untitled, 2011 óleo/ madeira - oil/ wood 84 x 95 x 9 cm Estudou no ateliê de pintura de Ignácio Colombres. Em 1962 se muda para Madrid e segue seu curso em La Real Academia de Belas Artes de San Fernando. Desde 1975 vive e trabalha em Sant Martí Vell, Gerona, Espanha. Exposições individuais Dan Galeria, São Paulo Sala Robayera, Miengo, Cantabria Galeria Joanna Kunstmann, Palma de Mallorca Galeria de Rijk, Haia Galeria Jorge Mara, Buenos Aires Galeria Pedro Peña, Málaga Galeria La Nave, Valencia Galeria Alejandro Sales, Barcelona Galeria Marborough, Madrid Galeria Alejandro Sales (Blackspace), Barcelona Michael Dunev Art Projects, Gerona Galeria Alfredo Vinãs,Málaga Galeria Alejandro Sales, Barcelona Galeria Sabine Puget, Paris Galeria Alejandro Sales (Blackspace), Barcelona Galeria Jacob, Paris Galeria Ruth Benzacar, B;uenos Aires Galeria Fernando Santos, Oporto Hachmeister Galeria, Münster Galeria Jorge Mara, Madrid Galeria Alejandro Sales, Barcelona Galeria Itália, Alicante Galeria Alejandro Sales, Barcelon Galeria Cadaqués, Cadaqués, Gerona Art House, Buenos Aires Galeria L Ollave, Lyon Olivier Dowling Gallery, Dublin Galeria Guereta, Barcelona Galeria L Ollave, Lyon Galeria Cadaqués, Cadaqués,Gerona Jordan Gallery,Londres Galeria Paperolls, Angoulême Galeria Cadaqués, Cadaqués,Gerona Galeria Aele, Madrid Galeria Vandrés, Madrid Galeria Bonino, Buenos Aires Continuum, Córdoba Ateneo de Madrid, Madrid Galeria Pizarro, Buenos Aires. p.62 p.56 s.t./ untitled, 2011 óleo/ madeira - oil/ wood 80 x 90 x 4 cm p.63 p.57 Alexandre Wollner São Paulo, SP, Brasil, 1928 Constelação A1, 2010 plottergrafia 50 x 50 cm Constelação A1, 2010 plottergrafia 50 x 50 cm Alexandre Wollner, designer gráfico. Inicia seus estudos no curso de design visual do Instituto de Arte Contemporânea - IAC, criado no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand - Masp, em 1950, onde estuda com Lina Bo Bardi ( ), Poty ( ) e Sambonet ( ). Colabora com Pietro Maria Bardi ( ) na montagem da exposição retrospectiva de Max Bill ( ), no Masp, em Interessado no movimento concretista, vincula-se, em 1953, ao Grupo Ruptura, e apresenta suas obras construtivas na 2ª Bienal Internacional de São Paulo. Ainda em 1953 é selecionado por Max Bill para estudar na Hochschule für Gestaltung [Escola Superior da Forma] em Ulm, Alemanha, onde permanece entre 1954 e Ao retornar ao Brasil, inaugura, com Geraldo de Barros ( ), entre outros, o Form-Inform, o primeiro escritório de design do país. Em 1963, participa da estruturação e criação da Escola Superior de Desenho Industrial - ESDI, no Rio de Janeiro, a primeira instituição de design de nível superior no país. Na década de 1960, abre o próprio escritório de programação visual, onde desenvolve logotipos para grandes empresas. Expõe seus projetos no Masp e no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ, em 1980, e faz a opção por uma mostra que enfatize o processo de criação, execução e implementação de um programa de identidade visual. Em 1999, o Centro de Comunicação e Artes do Senac, em São Paulo, promove a sua segunda exposição individual. Em 2003, Wollner comemora seus 50 anos de design, com o livro Design Visual 50 Anos, e com a exposição de suas fotografias no Centro Universitário Maria Antônia, em São Paulo. Adolfo Estrada Buenos Aires, Argentina, 1942 He studied painting in the studio of Ignacio Colombres. In 1962 he moved to Madrid and continued his studies at La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Since 1975 lives and works in Sant Marti Vell, Barcelona, Spain. Solo Exhibitions: Dan Galeria, São Paulo Sala Robayera, Miengo, Cantabria Galeria Joanna Kunstmann, Palma de Mallorca Galeria de Rijk, Haia Galeria Jorge Mara, Buenos Aires Galeria Pedro Peña, Málaga Galeria La Nave, Valencia Galeria Alejandro Sales, Barcelona Galeria Marborough, Madrid Galeria Alejandro Sales (Blackspace), Barcelona Michael Dunev Art Projects, Gerona Galeria Alfredo Vinãs,Málaga Galeria Alejandro Sales, Barcelona Galeria Sabine Puget, Paris Galeria Alejandro Sales (Blackspace), Barcelona Galeria Jacob, Paris Galeria Ruth Benzacar, Buenos Aires Galeria Fernando Santos, Oporto Hachmeister Galeria, Münster Galeria Jorge Mara, Madrid Galeria Alejandro Sales, Barcelona Galeria Itália, Alicante Galeria Alejandro Sales, Barcelon Galeria Cadaqués, Cadaqués, Gerona Art House, Buenos Aires Galeria L Ollave, Lyon Olivier Dowling Gallery, Dublin Galeria Guereta, Barcelona Galeria L Ollave, Lyon Galeria Cadaqués, Cadaqués,Gerona Jordan Gallery,Londres Galeria Paperolls, Angoulême Galeria Cadaqués, Cadaqués,Gerona Galeria Aele,Madrid Galeria Vandrés, Madrid Galeria Bonino, Buenos Aires Continuum, Córdoba Ateneo de Madrid, Madrid Galeria Pizarro, Buenos Aires Alexandre Wollner São Paulo, SP, Brazil, 1928 Alexandre Wollner, graphic designer. Began his studies with the visual design course at the Institute of Contemporary Design (IAC), created at the São Paulo Assis Chateaubriand Museum of Art (Masp), in 1950, where he studied with Lina Bo Bardi ( ), Poty ( ) and Sambonet ( ). Collaborated with Pietro Maria Bardi ( ) in staging the retrospective exhibition of Max Bill ( ), at the Masp, in Interested in the Concretist movement, in 1953, he joined the Grupo Ruptura [Rupture Group], presenting his constructivist works at the 2nd São Paulo International Bienal. Also in 1953, he was chosen by Max Bill to study at the Hochschule für Gestaltung [Superior School of Form] in Ulm, Germany, where he remained from 1954 to Upon returning to Brazil, together with Geraldo de Barros ( ) and others he inaugurated Form-Inform, the first design consultancy in the country. In 1963, he took part in the structuring and creation of the Escola Superior de Desenho Industrial (ESDI) [Superior School of Industrial Design], in Rio de Janeiro, the first higher level design institution in the country. During the 1960s, he opened his own visual programming office, where he developed logotypes for major companies. He exhibited his projects at the Masp and at the Museum of Modern Art of Rio de Janeiro (MAM/ RJ) in 1980, opting for a show that emphasised the process of creation, execution and implementation of visual identity programme. In 1999, the Centre of Communication and Arts of Senac, in São Paulo, held his second individual exhibition. In 2003, Wollner celebrated 50 years of design with his book Design Visual 50 Anos, and an exhibition of his photographs at the Maria Antônia University Centre, in São Paulo

32 Almir Mavignier Rio de Janeiro, RJ, Brasil, 1925 Amarelo óleo/ tela - oil/ canvas 100 x 100 cm Almir Mavignier Rio de Janeiro, RJ, Brazil, 1925 Almir da Silva Mavignier, pintor, artista gráfico. Inicia seus estudos com Arpad Szenes ( ), Axl Leskoschek ( ) e Henrique Boese ( ) em 1945, no Rio de Janeiro. Entre 1946 e 1951, funda o Ateliê de Pintura e Modelagem da Seção de Terapêutica Ocupacional do Hospital Psiquiátrico do Engenho de Dentro (atual Museu de Imagens do Inconsciente) com a psiquiatra Nise da Silveira ( ). Acompanha os trabalhos desenvolvidos pelos internos Emygdio de Barros ( ), Raphael ( ) e Carlos Pertuis ( ), entre outros. Em 1949, participa do primeiro grupo de arte abstrata do Rio de Janeiro, com Ivan Serpa ( ), Abraham Palatnik (1928) e Mário Pedrosa. Organiza com Léon Dégand e Lourival Gomes Machado a exposição 9 Artistas do Engenho de Dentro, no Museu de Arte Moderna de São Paulo - MAM/SP, em 1950, quando também realiza sua primeira individual, no Instituto dos Arquitetos do Brasil do Rio de Janeiro - IAB/RJ. No ano seguinte, viaja para Paris, onde frequenta a Académie de La Grande Chaumière. Na Alemanha, entre 1953 e 1958, estuda com Max Bense e Josef Albers ( ) na Hochschule für Gestaltung [Escola Superior da Forma] em Ulm, e mantém contato com Max Bill ( ). Participa do Grupo Zero, entre 1958 e 1964, com Heinz Mack (1931), Otto Piene (1928), Yves Klein ( ), Jean Tinguely ( ). Organiza a exposição Novas Tendências, primeira mostra internacional de op art na Iugoslávia, em Em 2008, realiza a exposição Momentos de Luz, na DAN Galeria, em São Paulo, Brasil. p.39 p.53 Almir da Silva Mavignier is a painter and graphic artist. He began his studies with Arpad Szenes ( ), Axl Leskoschek ( ) and Henrique Boese ( ) in Rio de Janeiro, in Between 1946 and 1951, he founded the Painting and Modeling Workshop of the Occupational Therapy Section of the Engenho de Dentro Psychiatric Hospital (currently the Museu de Imagens do Inconsciente), with psychiatrist Nise da Silveira ( ). He accompanied the works developed by the patients, Emygdio de Barros ( ), Raphael ( ) and Carlos Pertuis ( ), among others. In 1949, he took part in the first abstract art group in Rio de Janeiro, with Ivan Serpa ( ), Abraham Palatnik (1928 ) and Mário Pedrosa. Together with Léon Dégand and Lourival Gomes Machado, he organized the exhibition 9 Artistas do Engenho de Dentro at the Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP) in 1950, also holding his first individual exhibition at the Institute of Brazilian Architects of Rio de Janeiro (IAB/RJ) in the same year. In 1951, he traveled to Paris, where he attended the Académie de La Grande Chaumière. In Germany, between 1953 and 1958, he studied with Max Bense and Josef Albers ( ) at the Hochschule für Gestaltung in Ulm, maintaining contact with Max Bill ( ). He took part in the Zero Group, between 1958 and 1964, with Heinz Mack (1931 ), Otto Piene (1928 ), Yves Klein ( ) and Jean Tinguely ( ), and organized the exhibition New Tendencies, the first international show of op art in Yugoslavia, in In 2008 he held the exhibition Momentos de Luz at DAN Galeria, in São Paulo, Brazil. Amelia Toledo São Paulo, SP, Brasil, 1926 s.t./ untitled III, 2010 óleo/ juta - oil/ jute 130 x 130 cm Amelia Toledo São Paulo, SP, Brazil, 1926 Amelia Amorim Toledo, escultora, pintora, desenhista, designer. Frequenta o ateliê de Anita Malfatti ( ), em São Paulo, no fim dos anos Entre 1943 e 1947, estuda com Yoshiya Takaoka ( ) e, em 1948, com Waldemar da Costa ( ). Nesse mesmo ano, trabalha com desenho de projetos no escritório do arquiteto Vilanova Artigas ( ). Em 1958, frequenta a London County Council Central School of Arts and Crafts, em Londres. De volta ao Brasil, em 1960, estuda gravura em metal com João Luís Oliveira Chaves (1924), no Estúdio/ Gravura. Obtém, em 1964, o título de mestre pela Universidade de Brasília - UnB. Desde a metade dos anos 1960, leciona na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Mackenzie e na Faculdade Armando Álvares Penteado - Faap, em São Paulo, e na Escola de Desenho Industrial - Esdi, no Rio de Janeiro. A artista dedica-se também à pintura a óleo e aquarela e ao design de jóias. Realiza obras para espaços públicos, como o projeto cromático, 1996/1998, para a estação Arcoverde do metrô do Rio de Janeiro. Em 1999, é realizada exposição retrospectiva de sua obra na Galeria do Sesi, em São Paulo, e, em 2004, é publicado o livro Amelia Toledo: As Naturezas do Artifício, de Agnaldo Farias. Amelia Amorim Toledo, sculptress, painter, draughtswoman, designer. Attended the studio of Anita Malfatti ( ), in São Paulo, at the end of the 1930s. Between 1943 and 1947, studied with Yoshiya Takaoka ( ) and in 1948, with Waldemar da Costa ( ). In the same year, she worked on project design in the practice of the architect Vilanova Artigas ( ). In 1958, she attended the London County Council Central School of Arts and Crafts, in London. On returning to Brazil in 1960, she studied metal engraving with João Luís Oliveira Chaves (1924), at the Estúdio/Gravura [Engraving/Studio]. In 1964, she received a master's degree from the University of Brasília (UnB). From the mid-1960s onwards, she lectured at the Faculty of Architecture and Urban Planning of Mackenzie University and at the Armando Álvares Penteado Foundation (Faap), in São Paulo, as well as at the School of Industrial Design (Esdi) in Rio de Janeiro. The artist also devoted herself to oil painting and jewellery design. She executes works for public spaces, such as the chromatic project (1996/1998) for the Arcoverde underground station in Rio de Janeiro. In 1999, a retrospective of her work was held at the Sesi Gallery in São Paulo, with the book Amelia Toledo: The Natures of Artifice, by Agnaldo Farias, published in

33 Amilcar de Castro Paraisópolis, MG, Brasil, Belo Horizonte, MG, Brasil, 2002 s.t./ untitled - s.d./ undated escultura em aço corten - corten steel 250 x 250 x 144 cm Amilcar de Castro Paraisópolis, MG, Brazil, Belo Horizonte, MG, Brazil, 2002 Amilcar Augusto Pereira de Castro, escultor, gravador, desenhista, diagramador, cenógrafo, professor. Muda-se para Belo Horizonte em 1935, e estuda na Faculdade de Direito da UFMG, de 1941 a A partir de 1944, frequenta curso livre de desenho e pintura com Guignard ( ), na Escola de Belas Artes de Belo Horizonte, e estuda escultura figurativa com Franz Weissmann ( ). No fim da década de 1940, assume alguns cargos públicos, que logo abandona, assim como a carreira de advogado. Paralelamente, em seus trabalhos, dá-se a passagem do desenho para a tridimensionalidade. Em 1952, muda-se para o Rio de Janeiro e trabalha como diagramador em diversos periódicos, destacando-se a reforma gráfica que realizou no Jornal do Brasil. Depois de entrar em contato com a obra do suíço Max Bill ( ), realiza sua primeira escultura construtiva, exposta na Bienal Internacional de São Paulo, em Participa de exposições do grupo concretista, no Rio de Janeiro e em São Paulo, em 1956, e assina o Manifesto Neoconcreto em No ano seguinte, participa em Zurique da Mostra Internacional de Arte Concreta, organizada por Max Bill. Em 1968, vai para os Estados Unidos, conjugando bolsa de estudo da Guggenheim Memorial Foundation com o prêmio de viagem ao exterior obtido na edição de 1967 do Salão Nacional de Arte Moderna (SNAM). De volta ao Brasil, em 1971, fixa residência em Belo Horizonte. Torna-se professor de composição e escultura da Escola Guignard, até Leciona na Faculdade de Belas Artes da UFMG, entre as décadas de 1970 e Em 1990, passa a dedicar-se exclusivamente à atividade artística. Ascânio MMM Fão, Portugal, 1941 p.23 p.60 Ascânio MMM Fão, Portugal, 1941 Caixa I, 1968 escultura em madeira pintada - painted wood sculpture 47 x 47 x 47 cm Quadrados 19-1/5, escultura em madeira - wood sculpture 123 x 123 cm Escultor e pintor. Ascânio Maria Martins Monteiro. Português de nascimento, desde 1959 reside no Rio de Janeiro, Brasil. Cursa a Escola Nacional de Belas Artes - ENBA, de 1963 a 1965 e a Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da UFRJ, de 1965 a Opta pela linguagem abstrata construtiva desde seus primeiros trabalhos tridimensionais, na primeira metade da década de No início, utiliza ripas de madeira, articuladas em torno de um eixo, criando formas sinuosas e harmônicas, depois as formas retas tomam lugar, utilizando cores, explorando a tensão entre matéria e forma. Em outros trabalhos com perfis de alumínio, formando um jogo de cheios e vazios. Cria as Caixas lúdicas (final dos anos 1960), as Caixas e os Múltiplos (década de 1970) e as Piramidais (final da década de 1980). Desde 1969, com a exposição individual na Galeria Celina, Rio de Janeiro, até a exposição em 2005, na Dan Galeria, em São Paulo, Ascânio completa 24 exposições individuais e 73 coletivas entre 1966 e 2003, no Brasil, Portugal e Inglaterra. A painter and sculptor, Ascânio Maria Martins Monteiro was born in Portugal but has lived in Rio de Janeiro since He studied at the National School of Fine Arts (ENBA) between 1963 and 1965 and at the Federal University of Rio de Janeiro's Faculty of Architecture and Urban Planning from 1965 to He has adopted the language of abstract constructivism since his first three-dimensional works in the first half of the 1960s. To begin with, he used strips of wood arranged around an axle, creating sinuous forms and harmonics; subsequently he opted for a more linear approach and the use of color, exploring the tension between form and substance. In other works he experimented with aluminum shapes, producing a vivid dynamic between volume and space. He has produced several series, including the Caixas lúdicas (end of the 60s), the Caixas and Múltiplos (the 70s) and the Piramidais (end of the 80s). He has held 24 solo exhibitions between his first, at the Galeria Celina, in Rio, in 1969 and his latest, at the Dan Galeria in São Paulo in He also took part in 73 collective shows between 1966 and 2003 in Brazil, Portugal and the UK. Amilcar Augusto Pereira de Castro, sculptor, engraver, draughtsman, lay out designer, scenographer, lecturer. Moved to Belo Horizonte in 1935, studying at the Law Faculty of the UFMG between 1941 and From 1944 onwards, he attended the open course in drawing and painting with Guignard ( ), at the School of Fine Arts of Belo Horizonte, studying figurative sculpture with Franz Weissmann ( ). At the end of the 1940s, he took up a series of political appointments that he soon abandoned, together with his career as a lawyer. In parallel, his work made the transition from drawing to three-dimensionality. In 1952, he moved to Rio de Janeiro, working as a lay out designer for various publications, most notably redesigning the daily, Jornal do Brasil. After coming into contact with the work of the Swiss artist, Max Bill ( ), he made his first Constructivist sculpture, which was exhibited at the Bienal Internacional de São Paulo [São Paulo International Bienal], in He also took part in the exhibitions of the Constructivist group, in Rio de Janeiro and São Paulo, in 1956, signing the Neoconcretist Manifesto in In the following year, he took part in the International Exhibition of Concrete Art in Zurich, organised by Max Bill. In 1968, he went to the United States, with the aid of both a Guggenheim Memorial Foundation scholarship and the foreign travel prize that he had won at the 1967 National Salon of Modern Art. Upon returning to Brazil in 1971, he settled in Belo Horizonte, becoming a lecturer in composition and sculpture at the Escola Guignard, where he worked until In the 1970s and 80s, he lectured at the Faculty of Fine Arts of the Federal 72 University of Minas Gerais (UFMG), retiring from teaching in 1990 to dedicate himself 73 exclusively to his art. p.61